The Catholic Church: A Short History - Hans Küng

Personal politics is of decisive importance for longer-term changes for the Vatican as for any political system.

Quite succinctly, The Catholic Church: A Short History is exactly that: a brief summary of the Catholic Church's History. From the beginning Küng is quite transparent regarding his background and his intentions: he is a catholic trying, at the same time, to demistify Catholicisim and to describe the good things that, despite all its failure, the Catholic Church has given to the West and to the World. Throughout the book, Kung also mentions specific doctrinary and practical aspects in which Catholicism has either misinterpreted Christ's word or has departed from his teaching or from Christianity as practiced by the first communities. For the general public, a selected list of examples provided by Küng is available at the end of this post.

One thing that Küng says loud and clear from the beginning, and that the reader (particularly Catholic readers) should come to terms with is that the Vatican and Catholicism are human creations, hence with errors in design and institutional patches, and hence perfectible. Küng is a reformer of Catholicism, not a rupturist or even a revolutionary. This is actually a good thing: instead of a rosy or manichean picture of History, Küng provides well-balanced opinions and uses concepts such as Realpolitik quite masterfully. He is not naive or condescendent with the Curia's atrocities. As Matthew says that Jesus Christ said , Küng is as shrewd as a snake and as innocent as a dove. 

The book is really well crafted: it is not easy to summarize 2,000 years of History and a prospective (wishful) panorama in less than 300 pages. The book, however, could do a better job trying to explain the theological debates that have ravaged Christianity throughout History. The non-specialist will have to look on Google why not allowing laymen to drink from the chalice during the mass is such a big thing.

And this brings me to my overarching comment of the book. Towards the end, Küng shows his worry about Catholicism survival prospects in the medium term. Quoting declining attendancy rates and trust on religious institutions, he suggests that two reforms can save Catholicism: reform the law of celibacy, a measure that in theory would reduce pedophilia, and reform the episcopal ministry, a rather dry topic for outsiders. Küng is wrong. Catholicism will not disappear: despite all its failure, the longest-living institution of Earth is still the only hope of many dispossesed around the Earth with the exception of Europe, where Welfare State has taken up the social activities formerly performed by the Catholic Church. For some people, especially in the Third World, and thanks partly to the vocation of some priests, the Church is still the patrimony of the poor, a term used extensively by priests during the social revolutions of the mid-19th century.

I always hate when somebody quotes Marx's famous dictum "religion is the opium of the people:" quoters usually just stay with the Jacobin part of Marx's line of thought. But, in what is probably the most scandalous case of decontextualization in History, people forget the first part of the dictum, which explains why the Catholic Church will never disappear, or will morph quite successively into something equally hierarchical with some cosmetic touches: people need religioin. Marx's full quote is:

Religion is the sigh of the oppressed creature, the heart of a heartless world, and the soul of soulless conditions. It is the opium of the people.

The biggest problem of this book is that Küng doesn't take into account the specific weight of Catholicism in the developing World -something Küng himself acknowledges and is a. Of course, if one focuses on Europe and even with the United States, Catholicism and religions in general are likely to perish. But if one leaves the old ruminating West, Catholicism is still quite vibrant. It should come as no surprise that Francis, the pope at the time this post was written, comes from Latin America, a place where the Church has traditionally been close to its people, sometimes despite policies coming from the Vatican.

In a recent interview, 12 years after the publication of The Catholic Church, Küng has acknowledged that Francis "embodies my hopes for the Church" (this link reporting the same news is quite hilarious).

Catholicism will be there for a long time. As long as people need a religion, the institutional supply will be there. This doesn't dismiss the value of this book. It is actually a quite good volume and I recommend it for everybody, including the general public.

Specific examples where the Catholic church deviated from the original doctrine or misconceptions about Catholicism as mentioned by Küng

"(...) according to all the evidence Jesus did not found a church in his lifetime."

"The original meaning of ekklesia, 'church', was not a hyperorganization of spiritual functionaries, detached from the concrete assembly. It denoted a community gathering at a particular place at a particular time for a particular action."

"Be it as it may, it is no anachronism to claim that Jesus was anything but the representative of a patriarchal hierarchy."

"[T]oday even Catholic exegetes accept that the famous saying about Peter as the rock on which Jesus will build his church (Matthew 16.18-19; the statement is in the future tense)-of which the other gospels know nothing-is not a saying of the earthly Jesus but was composed after Easter by the Palestinian community, or later by Matthew's community."

"In the earliest church Peter doubtless had a special authority; however, he did not possess it alone, but always collegially with others. He was far removed from being a spiritual monarch, even a sole ruler. There is no trace of any exclusive, quasimonarchical authority as leader (jurisdiction)."

"There is no reliable evidence that Peter was ever in charge of the church of Rome as supreme head or bishop."

"The earliest Christian community did not want in any way to part company with the Jewish community or nation, but to remain integrated into Judaism."

"[I]t must also be said quite inmistakably that the anti-Judaism which can already be found among the Jewish Christians, and which in a lamentable way is already recorded in the gospels of Matthew and John, had its decisive roots in the peersecution of Christians and their exclusion from the syangogue."

"The word 'catholic' (Greek katholikos, 'related to the whole', 'general') is not used anywhere in the New Testament. Nowhere is the 'church' called 'catholic'. The expression 'catholic church' was used for the first time by Ignatius, the bishop of Antioch, in his letter to the community in Smyrna."

"Paul was not the real founder of Christianity-though this is constatly asserted by those who will not be taught."

"The presbyteral-episcopal constitution of the church is said to have been instituted by Jesus Christ, even to be a divine institution and therefore unchangeable divine law (iuris divini). However, it is not as simple as that. A careful investigation of the New Testament sources in the last hundred years has shown that this church constitution, centered on the bishop, is by no means directly willed by God or even by Christ, but is the result of a long and problematical historical development. It is human work and therefore in principle can be changed."

Insan - Twais

Insan (Human, in Arabic) is a great album recorded by Twais, a Syrian quartet belonging to the musical movement that permeated Damascus in the first decade of this century. At the time, every foreign policy wonk and practitioner thought that Bashar Al-Assad would be the guy who'd bring democracy and prosperity to Syria and would influence the rest of the Arab World. Few remember it now, but Barack Obama even tried to broker an Israel-Palestine agreement through Al-Assad. Today, it is clear that we were all wrong (in fairness, it was clear that Obama was wrong on Bashar and Palestine even back in 2008).

Predictably, the band dismembered. Based on the information available online, Essam Rafea (oud) is now touring around the World. It is unclear what happened with Firas Charestan (Qanoon) and with Muslem Rahal (nay). In the case of Rahal, the latest youtube clips date from 2010. There is no presence online of Ragheb Jbel (percussions).

You can still buy the album online on the traditional retail stores, but for all practical purposes, the presence of Twais online has vanished almost completely. This blog lists all the tracks of the album and presents a broken link where the tracks could be download. The website presented on the album's booklet is now full with what I think are Chinese characters. In 2009, shortly after the album went out, some enlightened soul, posted all the tracks on youtube. I can't recommend you enough to take a look at them.

In order to keep the band's memory alive, I can only copy the description available on the booklet:

Twais was the first singer of the Islamic era, and was praised both for the beauty of his voice and his originality, as he introduced Iqaa (beats) into singing in the 7th century. It is Twais' spirit of innovation and originality that the Quartet aspires to and strives to reproduce. The musicians' aim is to create a unique style of music, by investigating the roots of Arab and Oriental Music, with specific focu on instrumental music, and integrating these traditional standards within contemporary forms, by using different musical schools and contemporary compositions. Following the tradition of the classical takht (oriental quartet), the musicians' instruments of choice include the Oud, the Qanoon, the Nay, and percussions.

Created in 2004 by Essam Rafea, the Twais ensemble gathers some of the best musicians of their generation in Syria. It has performed in Syria, the Arab countries, and Europe, and has contributed to records by German accordion player Manfred Leuchter, and the French Baroque music group, Musiques des Lumières XVIII-21, led by Jean-Christophe Frisch.

I sincerely hope the band members haven't been bombed or killed. They are quite good musicians and they are, after all, humans.

This is the last Arabic/Sephardic/Oriental music album I will review in a while. It's time to close the cycle and travel elsewhere...

De una orilla a la otra - Samira Kadiri

En De una orilla a la otra, Samira Kadiri nos presenta canciones de los períodos musulmán y morisco de España. Alguien ya se tomó la molestia de copiar el contenido del booklet aquí.

Como todas las producciones de música sefardí y musulmana que se han reseñado en este blog, De una orilla a la otra es una producción independiente, hecha de manera casi artesanal. Esto no quiere decir, sin embargo, que el material sea de baja calidad; todo lo contrario: acaso porque saben que se juegan el todo por el todo en cada canción, tanto Kadiri como el ensamble Arabesque, todo el disco es de muy alta calidad. Así lo atestigua, por ejemplo, el inicio de "Li Habibi".

De una orilla a la otra es un disco sumamente recomendable, pero tras haber escuchado y reseñado alrededor de diez discos del género sefardí/arabesco, debo aceptar que lo empiezo a encontrar repetitivo y cansino. Ojalá más grupos redefinan la música sefardí como lo hace Arkul. Ojalá también la música que se hace en lo que todavía se conoce como mundo árabe finalmente se reconcilie con la modernidad como lo hace Oum y dejen de lado, aunque sea por un momento, el folklore.

Mientras tanto, no nos quedará más que disfrutar, hasta que, literalmente, nos hartemos, refritos de canciones hechas hace más de mil años...

Lizard - King Crimson

Lizard is probably the most experimental rock album ever made: A combination of baroque, classical music, jazz, and progressive rock. Robert Fripp used to dislike this album, though apparently he has come to terms with it.

Though the prog community King Crimson hardcore fans were divided about it at the time of its release, most have also agreed that it's a good album (did anyone hear the word "groupies"?). Back in the day, some people thought Lizard was a deviation from the band's style -as if they ever had one other than taking music to its limits; others disliked it because it was too brain-ish. People who like Lizard argue that it deserves respect and praises as an experiment, though divisions remain on whether the experiment was successful or not...

I guess this discussion should at least wake up the curiosity of those who don't know Lizard and come up with an opinion of their own.

I personally think Lizard is the best album King Crimson has ever made, and an interesting window of what the band and rock and roll in general could have become in a parallel world with less drugs, more time to create, and less pressure from music companies to produce albums every year.

This is the last King Crimson album I will write about in a long time. I need to de-tox a little bit. After revewing a couple of albums (and listening a few more I didn't get to talk about), I would like to close this cycle by quoting the following definition of King Crimson from Fripp's text in Lizard's 40th anniversayr edition booklet:

What is King Crimson? Several approaches:

the individuals in the group/s;

the group/s of individuals;

a society in microcosm;

a business structure;

a musical repertorie;

a way of doing things; 

a place where the conditioned and unconditioned meet;

a school of practical learning;

a business opportunity for King Crimson's professional advisers.

Tres culturas - Eduardo Paniagua

En mi primer post sobre música sefardí me lamenté sobre la falta de interés que genera en España esta cultura y la época medieval en general. La mayoría de las producciones musicales que he conseguido son producidas en Francia y, en menor medida, en el resto de Europa y Estados Unidos, que son los únicos lugares en el mundo en los que la gente se ha hecho a la idea de la existencia de los judíos. En España, donde la gente no se ha hecho a la idea a la existencia del país mismo, están a años luz de aceptar a los judíos como parte de su historia y de su presente.

Por suerte, siempre hay algún atisbo de esperanza. Eduardo Paniagua es un arquitecto, músico, y emprendedor que lleva por lo menos 30 años intentando rescatar y masificar el legado cultural de la España municipal. Como siempre ocurre en los países ibéricos y en sus antiguas colonias americanas, el cainismo ha empujado a Paniagua a buscar éxito y fortuna fuera de su país. Hasta la creación de su propio sello discográfico, Pneuma, la mayoría de los discos de Paniagua habían sido producidos en Francia.

Tres Culturas es un gran disco. Como su nombre lo indica, el objetivo es presentar música de las tres culturas que estuvieron presentes en España durante la Edad Media: la cristiana, la judía, y la medieval. Las primeras 5 canciones son sefarditas e incluyen la famosa "Ya viene el cativo". Las siguientes 10 piezas son composiciones para el Camino de Santiago compuestas por Teobaldo I de Navarra, Alfonso X el Sabio, y composiciones autores anónimos recopilados en el Códice Calixtino. Finalmente, las últimas 3 canciones son musulmanas.

Más allá de una excelente interpretación y producción, Tres Culturas vale mucho la pena porque nos recuerda cómo un país tan pequeño como España fue, y lo seguirá siendo mientras exista, tremendamente diverso. Es difícil creer que los laúdes del desierto y las gaitas de los climas lluviosos puedan coexistir en un mismo país, y quizá esa sea la tragedia: quizá las gaitas y los laúdes no pueden convivir y es necesario levantar una frontera entre ambos... Los españoles tienen la última palabra.

El libro que acompaña el CD incluye una contextualización del disco, de la cual se extraen los siguientes fragmentos:

***

'Mientras cantaba, no fueron las cuerdas del laúd,sino mi corazón lo que hería con el plectro.Jamás se borrará en mi memoria aquel día..."Ibn Hazm, 'El collar de la Paloma', s. XI

 Una visiíon completa de la rica realidad multicultural y multirracial de la península ibérica exige el conocimiento de las diferentes corrientes musicales coincidentes en el tiempo, compartiendo el espacio de la España postvisigoda. Por un lado, dividida en varios reinos cristianos: primero el reino Astur-Leonés, y posteriormente Galicia, Portugal, Castilla y León, Navarra, Aragón y Cataluña. Y por otro lado, Al-Andalus islámico, subdividido a su vez en decenas de reinos diferentes en la época de los Taifas del siglo XI.

Una visión sintética y global de la música de la España medieval ha de tener en cuenta estos pueblos que, si bien en el aspecto político, religioso y filosófico mantuvieron criterios diferentes, en el aspecto cultural y, especialmente en algo intangible como es el mundo de la música, tuvieron una extraordinaria interrelación.

Ello no impidió que en las tres bandas existieran autoridades que, según el talante de la época, exaltaran o prohibieran la música, elogiando o censurando a músicos y poetas.

La España Medieval

 La Edad Media jugó un papel definitivo en la formación de España. Durante esta época la Península fue el lugar donde convivieron, pacíficamente unas veces, en fuerte confrontación otras, personas que practicaban las tres grandes religiones monoteístas: Judíos, Moros y Cristianos.

Las religiones cristiana y hebrea se asientan simultáneamente con la primera evangelización y la diáspora judía antes del siglo IV. La entrada de la religión islámica tiene por fecha el año 711. Es entonces cuando comienza la pugna entre las hegemonías políticas: la islámica dominante hasta el siglo XI, y la de los pequeños reinos cristianos: Castilla y León, Navarra, Aragón y Portugal, que no tomarán preeminencia hasta la segunda mitad del siglo XIII, con las conquistas de Valencia, Murcia y casi toda Andalucía. 

El elemento hebreo se instala con mayor o menor fortuna en uno y otro lado de la frontera entre musulmanes y cristianos. Integrados inicialmente en tierra islámica, a partir del siglo XII con el rigorismo almohade, los judíos toman un frágil equilibrio en las tierras de cristianos con la protección de los reyes, siendo la ciudad de Toledo el modelo de convivencia entre los miembros de las tres religiones. 

La práctica musical

La cultura y en especial la música es practicada indistintamente por las diferentes clases sociales de los tres pueblos. Según la idiosincracia de las costumbres se pueden distinguir elementos específicos en la música religioso-litúrgica de cada una de las comunidades de creyentes.

Más cercanas entre sí están las músicas cortesanas y populares, que se ejercen mutua influencia, según sea dominante o recesiva la potencia cultural de cada lugar.

Se puede trazar una malla de espacios que albergaron la música con los elementos propios de cada sociedad, entremezclando los conceptos: religioso, cortesano y popular, con judíos, moros y cristianos.

Así se pueden diferenciar:

Sinagoga/Palacio/Patio/Sefardí/Judío converso

Mezquita/Alcázar/Jardín/Muladí/Mudéjar/Morisco 

Iglesia/Castillo/Plaza/Mozárabe/Franco (Europeo)

Entre Deux Rives - Sandra Bessis

Sandra Bessis est une chanteuse specialisée en chants séfarades et de la Méditerranée. Elle reconnue au Monde entier. Entre Deux Rives est un album enregistré en public à la synagogue de Carpentras, au Festival des Musiques Juives, et à la Casa de la memoria à Séville entre 2004 et 2005. Accompagnée par Anello Capuano à l'oud et à la mandoline, et par Rachid Brahim-Djelloul au violon, Mme. Bessis interprète des chansons séfarades traditionnelles recueillies au long de la Méditerranée avec un simplicité très élégante.

La meilleure chanson de l'album est "Ya ghosn." Il est pitoyable qu'on ne trouve pas de vidéos ou de télécharges sur l'Internet. D'autres chansons sont très bien interpretés aussi, avec des reminiscences arabes qui nous rappelent qu'à la Méditerranée tout le Monde est le produit d'un mélange millénaire. Comme Arkul, Mme. Bessis chante "Buena Semana". Je voudrais inviter le lecteur à comparer les deux interpretations pour vraiment apprécier la vitalité de la musique séfarade aujourd'hui.

*****

"Les chants séfarades courent d'une rive à l'autre de la Méditerrannée, croisant sur leur route la musique arabo-andalouse, les ballades et les danses des noces balkaniques, et se souviennent des temps de la Reconquête chrétienne en Espagne. Ils marient toutes les sonorités de cet Orient si proche, oû se sont mêlés et succédés Grecs et Latins, juifs, chrétiens et musulmans, Berbères, Arabes et Ottomans, et tous ceux qui sont passés par là, témoignant d'une histoire extraordinaire d'exil et de fidélité, longue de près de cinq siècles. Tout au long de cette traversée du temps et de l'espace, depuis l'Espagne médiévale, les voix des femmes et des hommes ont permis qu'ils se perpétuent, la mère au creux de l'oreille de sa fille, de communauté en communauté, dénouant et renouant, recomposant, patiemment et infiniment, les fils de la mémoire et de la nostalgie.

"Tanger et Salonique, Istambul et Andrinople, Tétouan et Sarajevo, là où le soleil cogne, comme là-bas, ce pays qu'il a fallu quitter parce que les rois l'avaient décidé ainsi. L'Espagne s'éloigne, l'Andalousie est perdue et les siècles passent, loin de Sefarad. C'est l'éternelle histoire des exilés, hier fuyant l'Espagne, aujourd'hui laissant derrière eux la terre de leurs ancêtres rendue infertile par la guerre, la misère, toutes les déroutes de l'Histoire. C'est le dernier soupir du Maure, Boabdil contemplant une fois encore les murailles de l'Alhambra définitivement perdue. Prince ou gueux, c'est toujours la même nostalgie, et les mêmes trésors qui défient le temps: le goût des épices et des aromates, la langue, le parfum des jasmins et de l'oranger, le rythme de la danse et la mélodie des antiques complaintes. Il reste toujours la poésie, la musique, les chansons qui disent l'amour, bercent les enfants au berceau, rythment l'année, les joies, les fêtes et les deuils.

"Les femmes méditerranéennes sont les gardiennes de la tradition. Elles ne savent pas lire, ou rarement, elles restent cantonnées à la sphère domestique, elles n'ont pas droit au vent du large. Alors elles chantent, dans cette langue qui raconte une histoire du temps passé et qui est aussi celle de leur quotidien, elles chantent les histoires incroyables que leur mère leur a chantées, que leur grand-mère a recueilli de la bouche de sa propre mère... Elles sont la mémoire, elles sont les livres qui racontent toute la vie, elles sont le vent du large.

"Parfois aussi, il faut être léger. Alors elles chantent des recettes de cuisine, les multiples facons de cuisiner l'aubergine, par exemple... Et puis il faut supporter la belle-mère, toujours là, à surveiller le couple... Et prévenir sa fille aussi: 'L'amour est trompeur. Aujourd'hui il te séduit. Demain il te rendra malheureuse, moi aussi je suis passée par là! Prends garde, ma douce fille!' Mille recommandations n'ont jamais rendu sages les jeunes amoureuses, mas on n'oublie pas la voix de sa mère, ni le paroles qui nous ont bercées... Ya oummi ya oummi soutek deimen i ghanni... (Ma mère, ma mère, ta voix chante toujours...)

Ce CD, enregistré en public, est une promenade, une divagation dans cet univers musical, tel qu'il résonne pour nous, ici et maintenant. Laisser à celui qui écoute l'espace pour rêver, m'embarquer avec lui dans une histoire, dans les mélismes d'une mélodie, dans les développement d'une romance, dans l'introduction méditative du 'oud ou l'invitation à la danse du violon.

-Sandra Bessis

Yo m'enamori - Sylvie Cohen & François Cotinaud

Sax et piano. Parfois le plus simple est le plus complet, et Yo m'enamori en temoigne. Yo m'enamori est un album fantastique, qui prend des chansons séfarades en les modifiant pour faire du jazz moderne. Des chansons comme "Por la tu puerta yo pasi" sont transformées et reinventées d'un façon très satisfaisante. Dans ce papier, Jessica Roda, professeur universitaire à l'Université du Québec à Montreal utilise Yo m'enamori pour expliquer le processus de fusion de la musique séfarade avec les rythmes modernes. Malheureusement, il paraît que cet album n'est pas facilement trouvable...

En tout cas, voilà ce que dit le booklet:

La communauté juive hispanique, chassée d'Espagne en 1492 et du Portugal en 1506 par l'Inquisition, s'est réfugiée, puis installée dans tout l'Empire Ottoman, notament en Grèce, en Turquie, dans les Balkans, puis en Haute-Galilée, aux Pays-Bas, en Italie, en France, au Maroc, ainsi qu'en Amérique.
La langue judéo-espagnole, mélange d'espagnol, d'espagnol médiéval et d'hébraïsmes, a emprunté, tout comme la musique, aux cultures grecque, turque, bulgare, roumaine, yougoslave et arabe qu'elle a rencontrées au cours des siècles.
Les poèmes, qui évoquent presque toujours l'amour, sont empreints d'un lyrisme singuiler, nostalgique et passionnel, et ont donné des mélodies très populaires dans la communauté juive judéo-espagnole. Les multiples interprétations et transformations témoignent de la vivacité d'une culture qui ne cesse de se déplacer en Méditerrannée, et d'épouser des éléments d'autres cultures musicales.
Les poèmes sont chantées, accompagnés par un luth, un violon ou un cymbalium, et des percussions (derbouka, zarb, bendir).
Pérenniser la tradition, mais en la laissant vivre, évoluer, se transformer: c'est dans cet esprit que Sylvie Cohen et Francois Cotinaud ont adapté ce répertoire à leur instrumentarium occidental (saxophone et piano), ent le réarrangeant, et en aménageant des espaces d'improvisations ou de variations.
"Les romanceros, fil d'Ariane de la culture judéo-espagnole, traversent le temps et l'espace. Métamorphosés par Sylvie et Francois, c'est à ce jour un trait d'union entre le générations." (Angèle Saül).

Erransa - Sandra Hurtado-Rós & Véronique Condesse-Bonnevide

Ce que Sandra Hurtado-Rós fait dans Erransa est vraiement magnifique du point de vue technique: l'intonation est parfaite, et elle arrive a maintenir des notes musicales à des niveaux très elevés. Mais personnellement, je trouve que le timbre de sa voix est un peu trop aiguë. Il y aura, bien sûr, d'autres spectateurs qui vont aimer son travail.

En général, Erransa est un album acceptable sauf pour le morceau "Adio tu no sos mas mio", qui n'est rien qu'une adaptation du classique "Adio Kerida". Chanter "Adio Kerida" est, paraît-il, une condition indispensable pour devenir un star de la musique séfarade, comme ce blog l'a souligné ici et ici.

Erransa présente aussi une interpetation interessante de "Yo la queria mas que mi vida", chanson popularisée par le groupe Mocedades il y a très très longtemps...

Et voilà ce que Erransa dit sur Erransa:

De l'Occitanie à l'Andalousie, les chansons séfarades ont traversé les siècles par le biais de la tradition orale. Ces ballades sont des monodies issues de la musique populaire en vogue dans les communautés séfarades installées en Espagne depui l'Ancien Testament et jusqu'en 1492, époque de la chute de Grenade et du début de la Reconquista. Ces chants, qui ont été colportés en Méditerranée, Turquie, Maroc, Bosnie, Grèce ou Bulgarie, sont en Castillan ancien. Ils continuent, depuis, à chanter le quotidien d'un peuple déraciné. 

Il Bastidor - Arkul

Il Bastidor es el mejor disco que he escuchado en muchísimo tiempo. Combinando música a capela y arreglos minimalistas, Arkul, un dueto de Bosnia, interpreta canciones sefarditas. Aunque al inicio parece que el disco empieza un poco flojo con "Anderleto",  para la quinta canción, "Pesah ala mano", el escucha ya está totalmente sumergido en una atmósfera fascinante. Como muchos discos de música sefardí, Il Bastidor incluye "Adio Kerida", un clásico. No es la mejor interpretación de este tema; de hecho, la versión de Yasmin Levy, de cuyo disco Mano suave hablamos hace  unos días, es mucho mejor. Ya sea para escuchar  con atención o como ruido de fondo, Il Bastidor es un disco excelente musicalmente hablando y tremendamente bien producido.  La mejor canción es "Buena semana", de la cual presentamos un video a continuación:

Este disco tiene, como casi todo, una dimensión social: Vladimir Mickovic y Atilla Aksoj, los dos miembros de Arkul son miembros de la comunidad sefardí en Bosnia. Como sucedió con todas las comunidades sefardíes que se establecieron a lo largo y ancho del Mediterráneo tras su expulsión de España, la comunidad de Bosnia conservó relativamente intacto el ladino. Es realmente conmovedor pensar cómo, hasta el establecimiento del Estado de Israel, las comunidades judías expulsadas de España conservaron una versión de la lengua del país que los expulsó. A pesar de que España se portó como madrastra con los judíos, éstos la siguieron viendo como una madre...

Y ahora, Il Bastidor según su propio librito:

Our Arkuli (amphorae) tell stories about everything Sephardic Jews went throug during their exodus and their journeys on the Mediterranean, on their way to the 'better' lands. These receptacles are filled with meolides and sounds forgotten during the long trips of the people who for decades wandered from sea to sea, meeting different peoples, learning customs and songs. The sounds of Arkuli today are like stories from the past that could teach what we need the most now -the will to meet others and curiosity about them.
In our narro'minded time, the time of egotistic and narcissistic individualism, we want to turn the 'Other' into one of 'our own'. It is a sad contrast to the times we are trying to discover and sing in the forgotten Sephardic song.
In these meetings with the 'Other' at the seashores, the sholes that begot great civilisations, the stories, the myths, melodies, sounds and songs, interlaced with no fear.
It wasn't always easy.
Contact with the 'other', with the unknown, excites us constantly but it frightens some too. At first there was fear, but after some time it disappeared, and gave place to curiosity. The desire to get to know those we feared. The ones we live close to, whom we encountered by chance. Like small children we'd go closer to the unknown, trying to inspect it, to understand it. Curiosity about the unknown gave birth to Forbidden Love. That love was breaking chains, it was like a curious child. The children of the forbidden love today are still looking in the distance, their glance riveting the open Sea. The journeys continued, and the forbidden loves but turned into happy marriages, the marriages of the just recognized differences. Il bastidor protected the courageous newlyweds in their decision to break from parental and tribal proscriptions.
There is no dawn at the sea. A clear light wakes us up suddenly, as suddenly as it appeared and lit the surface of the high sea. Journey is salvation. Sailing is a journey too. Egypt is not far, and the sea is heavy. We are banished again, floating the sea surfaces.
The shores appear from time to time, they are salvation. The Pessah came just when the great coast appeared.
There is no life without love. Love during the voyages is the anchor for the monads. It makes easier to go through the long days, and makes us forget all the troubles easier and quicker. The good days remain. Good weeks, months, and, with children, good years.
Travellers, nomads, those looking for a 'better' land for themselves and their own, for peace and the place where only stories would remind them of their long-gone, accomplished journey towards better and safer seaports, those are the peoople who know farewills, unfulfilled loves and wishes. On the eyes and lips of travellers often stays a bitter and heavy tast of the words 'Good by my loved one'. The perhaps never touched lips, the unseen eyes bid farewell because the journey is ahead of us. It's waiting.
The long, unexpectedly long journey must end sometimes. In that new place, which someday perhaps will too bee ours, mine, we have to meet its inhabitants. Offer them our stories, our bread, our song. A song is universal communicative gossamer, understood by all, it won't hurt, but it will entangle you into stories and memories of times and journeys, meetings and acquaintances. Let's call it the Feast of Fruitfulness of the human mind and its wish to meet others, the wish for the shared happiness of peoople, something we all wish for and hope for.
'Who's there at the window?' There's a song coming from the window, a song I know! I don't know the words, but I reconize the melody. It seems like it's coming from one of ours, the song we sang at our journey song, a long journey. Madam Gaspar sings it, yes, the madam who before us made that journey, the one of encounters and recognition. I don't want to talk about her anymore, a song on this album will tell you much more about her. Perhaps it will sound familiar to you too, as a spirit of the times, long gone, the times that aren't going to die. Another day is behind us, a day in the succession of days since we arrived on this seaport. Is this the 'better land'? Maybe more, about that tomorrow. Now it's time to rest. Sleep, sleep...
-Husein Orucevic

Sephardic Jews first moved to the region of today's Bosnia and Herzegovina somewhere between the end of the 15th and during the 16th century, when, during the dark times of the Inquisition they were -ironically in 1492- banned from Spain. Despite the unimaginable trials and challenges in the centuries that followed, the Jewish commuinty -the Sephardim and especially later, the Ashkenazi's (or Eastern European Jews) have not only survived but, almost during the whole period, both exercised a huge cultural influence on the autochton Slavic population, itself divided between the three dominant religions, and the culture as a whole.
The Sephardim spoke Ladino -an old Spanish dialect interspersed with Hebrew, Arabic and Aramaic. This particular dialect found an ideal milieu within the South Slavic language that itself underwent a number of radical inguistic influences, and was also a language that thrived in such eclecticism.
During the following centuries the Ladino dialect had of course picked up some Slavic words and terms, but still demonstrated a strong resilience to change -to which testifies an immediate 'archaic' feel, experienced by almost every listener exposed to the language today.
FCurrently, there are still around 500 speakers of Ladino in Bosnia and Herzegovina, and even a small revival of the languag has been noticed -largely owing to the music.
-Djordje Matic

Mano Suave - Yasmin Levy

"These songs represent something of a return to my Ladino roots. This beautiful tradition, which traces its roots back over many centuries, remains with us today thanks to the mothers who sang and taught these songs to their daughters in the home, and to the fathers who sang some of these songs in the synagogue and in the process taught them to their sons. A number of these songs have strong Turkish influences where the continuity is defined more by the music rather than the verses. The lyrics therefore, may at times seem rather quirky."

***

En las siguientes semanas escribiré sobre música sefardí. Como suele ocurrir con todo lo que tiene que ver con Iberoamérica, mientras la lengua ladina y su cultura perecen sin remedio, en Francia y en Estados Unidos crece el interés por ella. Me gustaría creer que eso cambiará eventualmente y el ladino, ese hermano apestado del castellano, el catalán, el gallego, y el euskera, resurgirá, pero no será así: en España ya tienen demasiados problemas con sus idiomas vivos como para todavía preocuparse de los muertos, y en lo que hoy se le conoce como América Latina basta decir que algo tiene que ver con España para que de inmediato se le mire con recelo y se le condene al ostracismo.  Por otra parte, en Israel, por muchas razones que todos sabemos, y otras que no sabemos, la tendencia es a revivir el hebreo y dejar de lado al ladino y, en menor medida, al ashkenazi.

La razón por la que estoy tan seguro de la muerte del ladino es la misma proliferación de música intentando recuperar y promover la lengua. Todo será en vano Si algo sabemos los latinoamericanos es que la proliferación de obras (musicales, pictóricas, etc.)  "celebrando" la identidad de culturas que uno cree muertas es signo inequívoco de que la cultura en cuestión está más muerta que viva. 

El ladino morirá, como han muerto tantas y tantas lenguas a lo largo de la historia del mundo. Será una muerte definitiva: a diferencia del deceso del latín o de las lenguas de algunas culturas prehispánicas, que en su muerte dieron vida a un sinfín de variedad de lenguas y de riqueza lingüística, el ladino será un árbol estéril. Será, también, una muerte triste: con el ladino, una parte importante de la identidad del Mediterráneo pasará, definitvamente, al rincón de la Historia. 

Nos quedarán los discos, las ediciones especiales de libros viejísimos desconocidos, las exposiciones de museos, y la restauración de algún manuscrito que habrá pasado los últimos 800 años pudriéndose. Si no fuera por el antisemitismo que aún vive en España y en sus antiguas colonias, podría presagiar que el ladino se convertirá en bandera política cursi.

Antes de que todo eso pase, yo quisiera reseñar obras (música en su mayoría) de artistas reivindicando la tradición oral ladina. Mano Suave de Yasmin Levy es el primero en la lista. Las pistas que componen este disco son, por lo general, muy buenas. Si acaso, "Odecha" es un poco larga y "Por la mía", aunque brillante desde un punto de vista musical, desentona un poco con el resto del álbum.

La mezcla de instrumentos de todas partes del mundo, incluída África del Oeste, fluye naturalmente, y la forma en que la voz de la propia Yasmin se convierte en instrumento es simplemente brillante.

Las dos mejores canciones son, a mi parecer, "Una Ora", que es simpatiquísima en un contexto moderno (la kulevra de tu ermana / ah, no mos desha, ah! no mos desha / azer el amor), y "Una Noche Más", composición en español de la propia Levy.

Clemens Deus Artifex - La Main Harmonique et Frédéric Bétous

Du petit livre:

Éléments musicologiques:

Les pièces polyphoniques de l'ordinaire de la messe sont tirées des mansucrits d'Apt et d'Ivrée édités par G. Gattin et F. Facchin (Polyphonic music of the 14th century). Le propre du jour de l'assomption est interprété d'après le manuscrit Lat. 9441 (Missel de Notre Dame de Paris), ainsi que du Lat. 17311 (Missel de Cambrai).

Nous avoins choisi une prononciation restituée du latin. Le principe ice est d'adopter pour le latin la même prononciation que pour la langue vernaculaire, q'on appelle aux XIVe et XV siècles le moyen francais, intermédier entre la langue d'oïl et les débuts du francais classique. (Pour de plus amples renseignements voir les travaux d'Olivier Bettens sur le site www.virga.org)

La musique à la cour du pape Clément VI (1432-1352)

Si la cour des papes d'Avignon est l'un des hauts lieux de la vie musicale en Occident au XIVe siècle, c'est d'abord parce qu'au Moyen Age, la musique ne se distingue guère de la liturgie. Les messes, les heures et l'ensemble des célébrations liturgiques cont accompagnées par le chant, dont la fonction est de souligner et d'embellir le verbe de Dieu. À la cour pontificale des années 1300 comme partout en Occident, les monodies du plain-chant, ce que nous désignons comme "chant grégorien", sont le fondement de la pratique musicale. Cependant, cette pratique, dont il ne faut pas oublier qu'elle est la normbe liturgique et le reste jusqu'à la fin du XVIII siècle, s'accompagne depuis le milieu du XIIe siècle de chants polyphoniques dans la complexité est croissante. L'essor de la polyphonie suscite néanmoins les critiques des autorités ecclésiastiques, qui considèrent que l'intelligibilité du texte est progressivement mise en cause par les raffinements de la musique. Cette opposition culmine ave la décrétale Docta sanctorum publiée par le pape Jean XXII (1316-1334), qui tente de limiter l'emploi de la polyphonie dans la liturgie. Au moment même où le pape s'érige contre les nouvelles pratiques musicales, il est aussi le dédicataire d'un motet polyphonique dont l'écriture rappelle aussi bien les parties polyphoniques des messes des grandes cathédrales de Flandres ou du nord de la France que les motets qui circulent à la cour de France ou à celle de Naples. À Avignon même, dans les années 1320, certains grands cardinaux commencent à recruter pour leurs chapelles des chantres septentrionaux formés à la pratique de cette musique qu'on appelle aujourd'hui conventionnellement ars nova, et qui s'appuie sur de nouveaux procédés d'écriture permettant de noter la hauteur et la durée des sons avec toujours plus de précision. En 1334, le pape Bênoit XII réforme la chapelle pontificale et nomme en 1336 le premier maître de chapelle, Pierre Sintier, qui prend en charge la vie musicale, liturgique mais aussi matérielle de l'ensemble formé par les douze chantres.

Lorsqu'il monte sur le trône de Pierre, en 1342, Clément VI se trouve donc au coeur d'un univers musical et liturgique en plein renouvellement, au sein duquel le plain-chant traditionnel se voit désormais occasionnellement orné d'une musique polyphonique savante. Le nouveau pape encourage de manière décisive l'essor de la polyphonie en orientant définitivement le recrutement des chantres vers la France du nord et les Flandres. La chapelle d'Avignon devient dans les années 1340 l'un des lieux les plus brillants de la vie musicale occidentale, et des professionnels aguerris à la liturgie et à la polyphonie dans les grandes maîtrises des cathédrales septentrionales y mênent désormais de véritables carrières culturales, recevant des gages quotidiens, mais aussi des dons en nature et des bénéfices ecclésiastiques. Cet engouement nouveau fait peu à peu de ces clerc spécialisés de véritables artistes qui se détachent du monde clérical dans lequel ils ont été formés. Le prestige de la chapelle pontificale d'Avignon à partir de Clément VI est tel que de nombreux princes tentent ensuite de recruter les chantres du pape, comme le roi d'Aragon en 1353, puis, en 1394, le duc de Bourgogne. Pendant toute la seconde moitié du XIVe siècle, sous l'impulsion de Clément VI, la chapelle d'Avignon est le centre de la vie musicale en Occident, et il faut le Grand Schisme et l'ascension de la chapelle du duc de Bourgogne pour qu'elle souffre la comparaison.

Clément VI est aussi le souverain qui dote la chapelle d'un espace prestigieux, propre à la performance musicale de haut niveau, la "Grande Chapelle" du Palais-Neuf. On se rappelle que le terme "chapelle" est en effet polysémique, et qu'il désigne à la fois un groupe d'hommes responsables de la liturgie -et désormais de la musique-, un ensemble d'objets et de reliques, et un lieu. Lorsque Clément VI entreprend d'agrandir le palais des papes pour lui donner l'allure qu'il garde encore aujourd'hui, il projette de faire réaliser, au premier étage de l'aile sud, une vaste chapelle palatine de 52 mètres de long sur 16 mètres de large, dont les voûtes culminent à près de 20 mètres, et à laquelle on accède par un escalier monumental et un portail ouvragé. Il dote richement la chapelle, dont on connaît l'inventaire, d'une centaine d'objets, de tissus et de manuscrits destinés à assurer son fonctionnement quotidien, et d'un budget placé sous la responsabilité du maître de chapelle.

Le développement de la chapelle pontificale de Clément VI s'inscrit dans une politique de représentation et de prestige. Le pape, qui est lui-même un savant de très haut niveau, ancient professeur de théologie à l'université de Paris, le prédicateur le plus réputé de son temps, encourage et soutient non seulement les musiciens, mais aussi les peintres ou les lettrés. Tandis que le poète Pétrarque ou le peintre Simone Martini séjournent sur les bords du Rhône, liés aux grands cardinaux mécènes italiens, Clément VI confie la décoration du palais des papes à Matteo Giovannetti et à son équipe. En moins de dix ans, le palais d'Avignon mais aussi sa résidence d'été, a Villeneuve-lès-Avignon, s'ornent de fresques dans le goût de la pittura nova qui se développe en Toscane, au même moment où Pierre de Besse, confesseur du pape, supervise la commande de manuscrits pour la bibliothèque pontificale. Dans ce contexte, le choix de rehausser le plain-chant par l'ars nova n'a rien d'un hasard, ce dont témoignent les manuscrits musicaux conservés. En effet, le répertoire polyphonique de la cour pontificale remonte précisément, en l'état actuel de nos connaissances, au règne de Clément VI, ainsi qu'en témoigne ce disque. C'est à lui qu'on peut rattacher les pièces les plus anciennes du manuscrit de la cathédrale d'Apt #16 bis, qui comporte en particulier un Kyrie tropé commencant par les mots Rex angelorum/Clemens pater, dont on peut penser qu'il était directement destiné au pape. C'est également à Clément VI que renvoie une partie du répertoire noté dans le manuscrit d'Ivea (Bibliotheque Capitulaire #115), comme le Gloria tropé Clemens deus artifex, ou le motet de Philippe de Vitry Petre Clemens/Lugentium succentur, qui sont des compositions jouant avec le nom du pape. Ce répertoire ne s'oppose pas à la pratique du plain-chant mais vient la compléter: à côté de la liturgie célébrant Dieu, se développe une sorte de para-liturgie, dont le faste retentit sur le souverain. La complexité de cette musique fait qu'elle ne peut être exécutée que par des professionnels d'haut niveau; sa maîtrise par la chapelle pontificale est donc une manifestation de puissance de la part d'un pape qui est aussi un prince. Plus encore, la superposition des voix, qui était critiqué par le décrétale de Jean XXII, devient un outil de communication, laissant tantôt émerger des mots clairement intelligibles, comme le nom du pape, et créant le plus souvent un effet d'enchevêtrement montrant à l'auditeur que quelque chose est en train de se dire sans qu'on puisse le saisir -comme une langue d'une nature supérieure, la langue des dieux et des souverains. Ainsi, l'ars nova voulue par Clément VI finit-elle par être emblématique d'une esthétique qui est aussi une politique, inaugurant une nouvelle proximité entre le prince et la musique.

Etienne Anheim

Le motet Petre Clemens / Ingentium siccentur / Non est inventus similis

Une oeuvre musicale au service de la politique de Clément VI

En mai 1342 l'archevêque Pierre Roger d'Egletons est élu pape et prend le nom de Clément VI. Sa prise de pouvoir ne fut pas simple: il dût très rapidement se justivier face à ses détracteurs, de la manière la plus ferme qui soit, afin de justivier sa légitimité au sein de la Nova Roma: la cité d'Avignon. Le Saint Empire, à travers son empereur, profite de ce changement de pape pour réitérer son opposition au siège d'Avignon. Le fait qu'il ne reconnaisse pas le pontife est considéré par ce dernier, comme un crime envers sa personne et envers le Christ lui-même. Ainsi, la désobéissance et la trahison font partie des actes considérés comme hérétiques.

Le peuple de Rome, quant à lui, se remet à espérer le retour du pontife dans l'Urbs, sur son siège séculier. Entre la fin de l'année 1342 et le début de l'année 1343, deux délégations romianes viennent successivement demander audience au pape afin de l'année 1343, deux délégations romaines viennent successivement demander audience au pape afin de lui soumettre une pétition (inter alia) du peuple romain lui demandant son retour dans l'Urbs. Tous les efforts se révéleront vains. Le siège s'installera de manière durable en Avignon: Clément VI voulant développer le palais pontifical de Benoît XII devenu inadapté à son gouût pour l'exercice de son pouvoir. Le projet se réalisera à partir de 1344 et se nommera l'Opus Novum.

Le droit de regard du pape sur le pouvoir temporel n'est plus une chose acquise. Dans l'année même de l'élection de Clément VI, Guillaume d'Ockham publie son Breviloquium de principatu tyrannico, également appelé Breviloquium de potastate papae, un réquisitoire contre le pouvoir tyrannique de la papauté qui rejette le principe de théocratie. L'ouvrage est rédigé en 1341-1342. Le plan de l'ouvrage se met en place à partir d'une violente critique de l'Église d'Avignon. Pour le philosophe, le siège de la papauté doit être considéré comme une déformation injustifiée de la véritable Église romaine.

Au même moment, un compositeur déjè illustre, Philippe de Vitry, lui dédie une oeuvre magistrale: le motet Petre Clemens / Lugentium siccentur / Non est inventus. Cette oeuvre est écrite pour trois voix dont deux voix égales et une teneur liturgique issue du verset "Non est similis illi" du graduel du commun d'un confesseur. Une dédicace situe l'oeuvre au alentour du temps de nöel 1342-1343. Cependant, cette oeuvre n'est en aucun cas une simple pièce d'éloge. Elle offre bien plus que cela. D'ailleurs, l'art musical se développe pour devenir sous Clément VI un réel art de rhétorique musical, un ars rhetorica musicalis.

La musique est donc là pour soutenir des actions polituqes, donner une démonstration complémentaire et unique de la légitimité du pouvoir en Avignon par ses capacité singulières à présenter des faits, mettre en relation les voix, les textes littéraires et leurs symboles.

-L'oeuvre et ses sources

La pièce n'existe que dans une seule source complète, le Codex d'Ivrea (Ivrea Biblioteca Capitolare J. IV 115). Cependant cette version date de la fin du XIVe siècle. Un autre manuscrit, le MS. 4195 de la Ostereiche National Bibliothek, recueil de sermons de Pierre Roger (nom de baptême du pape) et de Clément VI, se rpésente comme un livre d'écrits personnels du pape copié, semble-t-il, en Avignon à partir des années 1340. Il contient des sermons et divers écrit "prêchés" en consistoire, sur des thèmes politiques chers à Clément VI, comme la campagne qu'il menait contre Louis de Bavière, le prétendant au trône de l'empire, ou la réponse qu'il fit au peuple de Rome délivré, qui lui demandait le retour dans l'Urbs.

C'est a cet endroit, après le sermon Aperi labia mea (prônant que "là où se trouve le pape trouve Rome", écrit ver la fin de 1342) que se trouvent consignés les deux textes littéraires complets du motet Petre Clemens. Les textes musicaux ne sont pas copiés. Seuls les textes littéraires sont consignés. Pourtant, malgré ce manque sur le plan musical, cette source n'en est pas moins importante car elle renferme le texte inédit du ténor sur l'incipit "Non est [fuit] inventus similis illi". L'intérêt est d'autant plus grand que ce texte de Philippe de Vitry fait partie intégrante d'un livre personnel du pape et montre par conséquent l'importance que le motet pouvait revêtir aux yeux du pontife.

-Le symbolique

La structure poétique est basée sur deux textes écrits en vers décasyllabiques. Vitry utilise principalement des figures de la mythologie et des éléments allégoriques. Le sens, organisé avec finesse, est d'un très haut niveau intellectuel. Les allusions mythologiques sont nombreuses. Pour les auteurs tels que Vitry qui font partie d'un courant pré-humaniste, ces références à la mythologie classique dans l'écriture des textes sont incontournables.

On remarque généralement que pour les motets politiques en relation avec le monde de l'église que les trois voix ont un symbolique par leur propre position sur la partition. Ainsi le triplum (la voix la plus haute), représente le monde du ciel (allusion à la chaire de Saint-Pierre par la citation du graduel). Cette chaire est au coeur de toute la politique de la politique de la papauté d'Avignon. Etant donné que "le siège" de Pierre n'est pas dans la cité, mais est resté à Rome, les détracteurs en profitent pour stipuler que le siège de Clément n'est pas légitime. Vitry ici fait référence à l'office de célébration de cette chaire en citant la pièce grégorienne qui lui est dédiée "Iam bone pastor Petre Clemens accipe".

La voix du milieu, le duplum, représente celle des intermédiaires entre le ciel et la terre et fait référence au pontife Clément VI par le graduel du commun d'un pontife "Ecce sacerdos" et la dédicace "Clemens sextus sanctus factus divinitus". Le ténor, la voix la plus bass quant à elle symbolise le monde de la terre. Elle fait référence par la phrase "Non est inventus similis illi" [il n'existe persone du semblable à toi] au pontife qui est le chef suprême de l'Église sur la terre sans contestation possible. C'est également un rappel de la voix de duplum puisqu'il est issue du texte du graduel du Commun d'un confesseur.

En ce qui concerne le triplum: La première partie du texte traite des origine de notre pontife. Elle débute par le phrase de la dédicase "Petre Clemens tam re quam nomine". Par un jeu de mot Vitry expose le double sens que porte le nome du pontife: Clément de par son nom et clément par ses action. Par la suite, Philippe de Vitry, en bon hagiographe, nous présente le pape Clément protégé et entouré par les divinité grecques. Depuis sa naissance il est destiné à diriger l'Église.

Dans la deuxième partie du texte apparaît une thématique orientée sur la légitimité de Clément VI, assimilé en "Cephas", nom hébraïque de Saint-Pierre. Son pouvoir est universel, et dépasse les rancoeurs que certains entretiennent envers le siège d'Avignon. On peut y voir évidemment une insinuation de la phrase "Ibi Papa ubi Roma" (Là où se trouve le pape se trouve Rome), vu plus haut.

La suite du texte évoque le pouvoir de Clément, et plus précisément les orientations temporelles de sa politique comme monarque, prince, et serviteur. Encore une fois cette gradation dans la désignation de son pouvoir montre son pouvoir multiple, qu'il assume sur tous les fronts: des hautes sphères politiques au petit peuple. Tout ceci dans le contexte historique chargé de la Guerre de Cent Ans et de la mutation flagrante dans la considération du pouvoir papal, désignée par Vitry dans l'expression: "..., mais d'un monde malade, Serviteur, mais serviteur de délirants...". Cette expression très forte désignant les fous, les délirant, montre bien que les Puissant ont perdu la raison, ainsi que l'ordre des choses. Pour Clément, et pour Vitry son porte-parole, le pape est au-dessus de tout et tous ceux qui n'acceptent pas avec évidence cette règle de l'Église ne peuvent être considérés comme sains d'esprit.

Pour le Duplum: le texte de cette partie est intimement lié à celui du Triplum. Nous retrouvons tout d'abord une dédicace importante stipulant l'élection de Clément: Clemens sext[a] sanctus [factus] divinitus. Il est Clément le sixième, avec l'approbation de Dieu. Son pouvoir est indiscutable. Pour asseoir cela, il situe cette phrase au sixièmevers du poème, endroit hautement stratégique. Au vers suivant, Clément est assimilé à la figure de l'Apollon de Cirrha, tueur du serpent Python, modèle de vertu, mais également Dieu des arts et plus particulièrement de la musique. Dans la suite du texte, Vitry décrit la personne du pape sous un jour inhabituel pour l'époque: comme un prince quasi laïque, le pontife côtoyant de près les arts maîtrisant parfaitement l'art du discours musical. Par la suite Vitry adresse au pontife des souhaits et des recommandation. Clément est présenté comme un nouveau Saint-Pierre qui n'abandonnera pas les préceptes de l'Église et du Christ. Enfin nous parvenons au coeur de la dédicace: Tu Clemens es et Clemens diseris / Tu es clément et appelé Clément.

Cette phrase fait le lien avec le Triplum: Petre Clemens, tam re quam nomine que nous avons vu plus haut. En rendant hommage au pape, Vitry s'implique directement au propos du poème. Il se décrit comme un chantre qui, par sa musique, chante les louanges de son pontife. Le musicien, homme simple mortel, conclut l'oeuvre en désignant Clément VI comme seul légitime.

Waiting for Spring - Interzone

Tous les jours, on recoit des nouvelles de Syrie pires que ce qu'on a entendu la veille. Waiting for Spring, la troisième production d'Interzone, est comme un baume, une profession de foi.

Waiting for Spring est, contrairement aux deux premières productions du groupe, un oeuvre calme fait pour faire une pause, écouter, et réflechir sur tout et rien....

***

Interzone, le troisième jour de notre histoire, dans notre Histoire. Entre tristesse et joie, pause et retrouvailles, contemplation et élan. Notre musique ne confirme pas le mode ou l'échelle, mais s'en éloigne pour mieux y revenir. Ice le mode musical se présente comme recherche d'une nouvelle cartographie, imaginaire. Ou, pour un exilé, comme la patrie lointaine, entrevue à travers le brouillard de la mémoire. Enfin les rythmes sont multiples, enlacés, entrecroisés, en une polyrythmie évocatrice de mouvement perpétuel.

1- Sur la route de Homs: polyrythmie

Homs est la première ville Syrienne détruite au début de la révolution. Dans le car transportant les prisonniers, des coups de feu tout proches: enchainé, Khaled imagine les principaux thèmes de ce morceau. La musique surgit sans prévenir, des phrases ouvertes au-delà de l'angoisse et de l'urgence de l'évasion, au-delà de l'errance, des phrases qui guettent la stabilité et ne la trouvent pas.

2- 12644: 7 temps

Khaled et Serge composent un 7 temps, le même jour au même moment, mais â 12,644 km l'un de l'autre, l'un à Damas, l'autre à Mexico. La réunion des deux pièces abolit la distance.

3- Invasion: 3 temps

Maroc, décembre 2010, cette pièce sera pour Serge le poit de départ de 3ème Jour: immersion dans les rythmes impairs. Le rythme oriental et les quarts de ton évoluent vers une improvisation oud/guitare pour finir en un unisson symbolisant un orchestre miniature.

4- In Between: 10/4

Morceau construit sur le rythme du mode Samaï, rythme en 10/4 de plus de mille ans. Sans pour autant contenir de mode précis, les phrases ouvertes suivent une progression semblable au processus d'hypnotisation.

5- Brume du matin: 5 temps

Au petit matin très loin dans le désert, sous une chaleur déjà accablante, les êtres attendent la brume furtive en provenance de la mer lointaine. Chargée de vie, c'est la mémoire de la mer, c'est le rêve du désert.

Ô brume du matin sois généreuse avec nous

Tous les êtres attendent ton passage

Comme un sourir sur un visage séduisant

Ô amant au coeur pur où es-tu?

(Texte Nabatéen, auteur anonyme.)

6- Le temps: polyrythmie

Lorsque se termine la révolution du rythme à 4 temps du oud, la guitare aura fait résonner 24 mesure sur un rythme à 3 temps.

7- Evasion: 9 temps

Shab al-din Yahia as-Sohrawardi a été surnommé "l'Assassiné". Exécuté en l'an 1191 au palais d'Alep, il laisse présager sa mort dans les vers suivants:

Dis à mes compagnons s'ils m'ont vu mort et ont pleuré de tristesse

Ne croyes pas que je suis mort

Dieu, celui que vous voyez mort n'est pas mort

Mon âme est un oiseau, et ce corps et sa cage

Je me suis envolé et sa cage et resté vide

-Khaled Aljaramani (traduit de l'arabe par Naïma Chalour) et Serge Teyssot-Gay

La musique et la danse des cieux

Cet album rédéfinit la signifiance de l'expression "expérience culturelle."

Le booklet est disponible ici.

La musique est disponible ici.

The Best of 1980-1990 - U2

Issued in 1999, this was U2's first greatest hits collection. Since then, they have released 2 or 3 more "greatest hits", always repeating the same songs.

This album is recommended only to those fans who don't have the b-sides of the band.

Like other U2 albums, the album's booklet recommends fans to join Amnesty International, Greenpeace, and War Child...

On the Rock - Andrés Calamaro

Dice el librito:

El estado de las canciones
[Por Rodrigo Fresán]
Andrés Calamaro hay uno solo. Y tal vez por eso hay varios Calamaros en Calamaro. El tiempo corre, los discos giran, y a mí siempre me pareció que el lado solista (pero siempre tan bien acompañado) de Calamaro podía dividirse en dos bandos nunca enfrentados, siempre complementarios, con los que el Dr. Calamaro y Mr. Calamaro coexisten sin molestarse y se dan la mano y la garra.
Por un lado, pienso, están los álbumes de género y/o sonido: Hotel Calamaro o el neón-analógico, Vida cruel o el new-romantic-noise en Palermo Calamaro, Alta suciedad o el urban-studio-de luxe, El salmón o el kurtz-sensorround, El cantante o el cover-discoverer, Tinta roja o el tango milenarista, y El palacio de las flores o el retro-futurismo memorioso. Y por el otro lado están los álbumes de letra y/o música: Por mirarte, Nadie sale vivo de aquí, Honestidad brutal, La lengua popular y, ahora, en la legalidad callejera y el huracanado deseo de On the Rock. Es decir: discos de Calamaro que tratan sobre el fino arte de diseccionar canciones. CSI Camalamaroland. La canción como cuerpo al que arrancarle no un cómo murió sino un cómo no morir nunca. La canción como aria y como especie -algo vegetal y animal y mineral- que desborda de variedades y variaciones. La canción como teoría y práctica. Canciones para mirar y para cerrar los ojos. Rock que no se derrite (¡Calamarrock!) porque lo suyo es la redonda eternidad del glaciar que se ríe del calentamiento global y no lo pasajero y cuadrado de un cubito de hielo. Y me pregunto si habrá alguien que sepa más del misterio que mueve y aquieta a las canciones de Calamaro. Y me respondo que no.
De pie sobre una roca, a la hora de escribir y describir canciones, Calamaro lleva desde hace años la voz cantante. Calamaro es el Señor de las Canciones.
Y vuelve a demostrarlo en On the Rock, donde la sofisticación hipnótica de "Todos se van" y "Los divinos" convive con el ladrido mordedor y canchero (de cancha y estadio) e himnótico (de himno, de himno nacional-universal) de "El perro" o las llamadas a la guerra de "El pasodoble de los amigos ausentes" y "Flor de samurai", sin por eso privarse de actuar como sentido médium de José Alfredo Jiménez en el standart para yeguas indomables "Te solté la rienda".
Desde el inicio opulento y ambarino y tropi-flamenco-stone de "Barcos" y "Te extraño", pasando por el lamento elegante-lizard de "Insoportablemente cruel", hasta el final con el Rodríguez-ismo redux de "Me envenenaste" y la urgencia crítica-crisis otra vez politizada de "Gomontonera", On the Rock es un/otro viaje.
Un nuevo ascenso al fondo de ese lugar en el que Calamaro levanta vuelo desde la amistad de los barcos, se sumerge desde la camaradería de los aviones, y sale a la superficie -nunca superficial, el cielo también tiene vinílicas tapas de alcantarilla- con ansia y elegancia y un flamante y flameante puñado de canciones profundas, inoxidables y blindadas.  Todo junto ahora: el amor y el espanto, la cuerda floja y la soga al cuello, la enorme y breve distancia que apenas separa a un país bizcochuelo de un país gelatina.
Hoy es hoy, ayer fue hoy ayer, y todos se van, sí; pero -como una roca firme en un paisaje con demasiadas piedras que ruedan- Calamaro permanece.

***

On the Rock es un gran homenaje a la idea de Iberoamérica: Bunbury, Cigala, Vicentico, Calle 13 (en Puerto Rico todavía se habla español), y otros se reúnen con Calamaro para interpretar desde rancheras hasta jazz. El disco contiene temas típicamente calamarianos y algunos experimentos que a algunos parecerán obras maestras y, a otros, fracasos absolutos. 

La mejor canción es "Las tres Marías", con Vicentico.

The Best of Alemayehu Eshete

From the booklet:

Alemayehu Eshete, an Ethiopian musical legend, comes crom Addis Ababa. His powerful contribution to Ethiopian music is unparalleled. He was one of the first to record music to vinyl in Ethiopian, and is the winner of Tchaikovsky award at the International Music Festival in Dresden, Germany. 

The songs on this CD have made Alemayehu an icon of Ethiopian music. AIT Records considers it a pleasure to present the best Alemayehu's music -a snapshot of the greatest work from his vast repertoire. All music on this CD has been masterfully produced and rearranged by Ethiopian's leading producer and musician Abegasu Kibreworkk'shiota.

Absent Lovers - King Crimson

From the booklet:

Performance notes
The last four shows of the 1981-84 King Crimson took place over the two nights of July 10th and 11th 1984 at Le Spectrum in Montreal. The performance on these albums are drawn from the final night, shortly after which King Crimson ceased to exist. Crimson was reborn on April 18th 1984 in Woodstock, New York; but that is another, and ongoing, story.

Production notes
Mixing a recorded studio performance is always a translation. Mixing a live performance is even more a translation, because it attempts to represent a wider event than can be contained within the studio.
David Singleton and I don't mix as such. Probably, a Ton Prob production presents a particular world-view. We are not neutral, nor purely responsive, nor can we quite direct the action: but all three are involved. Essentially, our aim is to be true to the musical event in its moment.
The key word to the Ton Prob production of Absent Lovers and one to which we keep returning, was 'definition'; not in the sens of limitation, but of clarification: by delineating the edges and containing the boundaries, spaces between are more clearly illuminated and the players thrown into the greater relief.
Generally, with regard to the presentation of live performances, this is not necessarily welcome to musicians whose idiosyncrasies  conceits, illusions and failings may be revealed to the case of a critical ear. As one of the four musicians under  present revelation, I am sympathetic; but responsibility to the larger translation holds my greater loyalty.
If, as in much recorded rock music, the studio album is viewed as a definitive text or score, then live performance is an interpretation of that text; and an album of live performance is only one particular translation of one specific interpretation, and that in a given context of time, place and person. So what is 'definitive'?
Firstly, the live performance of music is in its nature ephemeral. This, it shares with gardening. However, our experience of what is, on the surface, a relatively brief event may resonate in our lives to profound and continuing effect. Simply put, music can reach over and change our lives directly and immediately. Our experiencing takes place in sequential time, but is not always governed by it.
Secondly, if the continuing regard by members of a listening community for a particular performance, or performers, is worthy of attention, -and how could it not be?- then the curious may be willing to heed the interests of that community. Absent Lovers continues to be available as a bootleg thirteen years after the radio broadcast.
Thirdly, in a post-mortem world there is no one privileged position, translation nor interpretation. This necessarily implies that there are indeed privileged positions of translation and interpretation. This dictum applies, and otherwise, to the material interpreted by this incarnation of Crimson one evening in Montreal during July 1984.
If these comments seem to obscure the clarity which definition claims, I reply that clarity reveals a depth of perspective, a richness of potential, and a spectrum of experiencing within the material which may elude a surface examination. Or not.
Eitheer way, here it is.

The Group
There have been five different personnel configurations of the live King Crimson. The members of Lineup Four (1981/84) are:
Adrian Belew: guitar, drums and lead vocal
Robert Fripp: guitar
Tony Levin: bass, Chapman stick, synth & vocal
Bill Bruford: acoustic and electronic drums & percussion
The first performance, at Moles in Bath, was on April 31st 1981; the last at The Spectrum, Montreal, on July 1984. Live, the Tony, Ade, Billy & Bob Crimson were more song based than earlier versions of Crimson, but could also tear out and flatten ear hairs within a mile.
Each live Crimson has featured some aspect of new or current technology. This Crim featured two Roland GR300 guitar synthesisers, Chapman Stick and Simmonds electronic drums.
We recorded three studio albums. The material presented on this set is drawn from:
Discipline (1981): Elephant Talk, Frame By Frame, Matte Kudasai, Discipline, Indiscipline, Thela Hun Ginjeet
Beat (1982): Heartbeat, Waiting Man, Sartori in Tangier
Three of a Perfect Pair (1984): Three of a Perfect Pair, Sleepless, Man With An Open Heart, Industry, Dig Me, Larks' Tongues In Aspic (Part III)
Larks' Tongues In Aspic (1973): Larks' Tongues In Aspic (Part II)
Red (1974): Red

DGM King Crimson Archive Series
The Great Deceiver (1992): a 4 volume set of KC live in 1973/4, originally released through Virgin. This is currently out of print (February 1998) and has now reverted to DGM. We are planning to release a second edition of this in 1999.
Epitaph (1997): a 4 volume set of KC, mainly live, in 1969.
The Night Watch (1997/8): 2 volumes of KC at the Amsterdam Concertgebouw on November 15th 1973.
Absent Lovers (1998): 2 volumes of the final show of the 1981-4 Crimson at The Spectrum in Montreal on July 11th 1984.
DGM plans to release other archive material, if there is sufficient expressed interest.

General Comments
I
The aim in presenting this live performance is to reflect the spirit of the group in a moment of its appearance. Live recording is not a precise art. But then, neither is recording.
Here are some reflections on live recording, drawn from many years of experience:
1. The sound at the soundcheck bears no relationship whatsoever to the sound once the audience appear.
2. Distrust any musician who clams to give you their maximum level at soundcheck.
3. Microphones move from their original positions.
4. Drum microphones record everything, are occasionally used as percussion accessories, and occasionally record nothing at all.
5. Vocal microphones also record everything, except sometimes the singer.
6. The audience is a featured performer.
7. The foot is not an exact instrument of calibration when placed upon a volume pedal.
8. If a lighting person tells you their lights can't don't and won't cause buzzes on amplifiers or the sound system, spit on one, or both, of their feet and bite your thumb while shouting: 'The fig of Spain'
9. Tuning a guitar with whammy bar, but no string lock, can lead to a quarter-tone exchange between duetting guitarist-buddies. And if it might, it will. On live television.

Image taken from Wikipedia

The Night Watch (Live at the Amsterdam Concertgebouw, November 23rd 1973) - King Crimson

From the booklet:

"A whole range of listening assumptions has changed since Billy and the Boys banged and clattered in an auditorium now prohibited to rock groups. In 1973 the focal point for any stereo album was the centre, and the ideal place to listen right between the speakers. This was the norm from which all other judgements followed. The knobs on domestic hi-fi equipment were optimistically marked 'treble' and 'bass' (not 'thin' and 'dull') and panning was what critics did to performers. The responsibility for the sound to be heard by listeners (other than professional audients) belonged to the producer / mixer /engineer.

Today, who listens in the centre, live or at home? The majority of a concert audience continue to strain from the sides (as ever), and the common central listening position is on headphones. On contemporary mass-produced sound carriers the listener can re-organise their music with graphic equalisers and choos the venue - hall, church, dance hall or cinema - where they would prefer the music to be played.

This CD is presented to a post-modern world which has abandoned the simple, even simplistic, certainties of the musicians, and probably the audience, of the Concertgebouw on one evening in late 1973. The aim is to present the music of that night so that what was played is available to be heard, albeit in a manner of the listener's choice."

Image taken from Wikipedia

Akoustika - Blackmen Bluz

This is the best album I've heard in months. Really. You can get a sense in the myspace page of Blackmen Bluz.

And here is a brief introduction to the band, directly from the album's booklet:

À la recherche de la note bleue, portés sur les vagues de la mer de Mahébourgh, ils naviguent sur les sentiments pour chanter l'Évolution d'esprit du blues dans un emballage sans demi-mot. Des Blackmen en harmonie ave le Numéro 7 comme chiffre porte bonheur. Des êtres exposant Mo Kouler. Vient et Respire Lavi. La musique t'invite à Leve toi bouzé sur les ondulations du bleuté. Le blues se laisse transporter par l'ivress. Lionel et Zoulou balancent des coups de gueules et des coups de joies pour peindre les mélodies. Dans un brassage sonore, inspiré par la mer, Roberto souligne les rythmes de l'eau. Sanson ronfle la basse pour faire vibrer l'ame insulaire. Gregory donne l'élan à la pirogue musicale. Comme un Peser, le blues affronte les houles pour accomplir sa mission. Les Blackmen Bluz vous embarquent en "Acoustika"...