El paraíso en la otra esquina - Paul Gauguin

Flora Tristán fue abuela de Paul Gauguin. El paraíso en la otra esquina es una biografía novelada de ambos personajes escrita por en la que los episodios de los personajes se van alternando por capítulos. Mario Vargas Llosa escribió esta obra en 2003, entre La fiesta del chivo y Travesuras de la niña mala, dos de sus trabajos más aclamados y consolidados. En retrospectiva, El paraíso ciertamente es una obra floja, a medio cuajar entre la novela y la monografía.

Los que han comentado sobre El paraíso y el propio Vargas Llosa han destacado que la novela busca describir cómo dos personas buscan la utopía: Flora mediante la promoción de la revolución social y la igualdad de género, y Gauguin yéndose a Tahití buscando el paraíso perdido. No sobra mencionar que ninguno de los dos logra su cometido.

Aquí está el propio Vargas Llosa hablando sobre El paraíso en la otra esquina:

En el fondo, El paraíso no es más que la narración en paralelo la historia de un pintor sifilítico que se va a recluir al fin del mundo por resentimiento con la vida, y la de una burguesa venida a menos, violada, que luchó contra el sistema social de su época, que buscó promover una revolución social pacífica, y que luchó por la igualdad de género. Si este brevísimo resumen hace paracer la vida de Flora más interesante que la de Gauguin es porque lo es: los hombres como personajes literarios ya están muy gastados y la historia de la vida de Gauguin no aporta nada nuevo. No obstante, como es de esperarse, al ser un personaje más reconocido, la biografía de Gauguin es más envolvente y rica; los episodios de la vida de Flora son más planos. Eso no es totalmente culpa de Vargas Llosa, sino también de las expectativas de los lectores.

El paraíso es un libro recomendable pero no indispensable. Vargas Llosa ha publicado mucho mejor material y no vale mucho la pena perder el tiempo con este: tanto la biografía de Flora como la de Gauguin están disponibles en Wikipedia o en infinidad de sitios web, y si bien no están tan bien presentadas como en el libro de Vargas Llosa, en realidad no creo que el lector necesite más.

Chup - Zeb & Haniya

Amazing, refreshing, and fun.

Fanny och Alexander - Ingmar Bergman

Fanny och Alexander es una de las producciones cinematográficas que se hayan hecho jamás. La versión presentada originalmente al público en 1982 duraba poco más de tres horas; Bergman prefería una de 5, la cual está actualmente disponible en DVD. La versión larga es, por mucho, la más recomendable: la versión de tres horas pierde muchos detalles y deja trunca una cinematografía bellísima. Pocas películas transmiten al espectador a una realidad alterna; esta lo hace, y acaso haga algo más: hacer creer en la magia al espectador.

De todos los personajes, quizá los más entrañables sean los judíos spinozistas; por otro lado, me pregunto cómo la escena que muestra a Alexander e Ismael no fue considerada como pornografía infantil por los censores de la época (o los de ahora).

Fanny och Alexander fue una película extremadamente cara para los estándares de la época en Suecia. Incluso hoy, es difícil creer que un proyecto así pueda tener financiamiento: el vestuario, la escenografía, el tiempo total de filmación (6 meses y 24 horas de material) hacen un proyecto así inviable. Quizá en el cine la belleza vaya de la mano con el presupuesto: es fácil pensar en películas "refrescantes" o "sorprendentes" que se hicieron con poco dinero; es difícil catalogarlas como bellas. Por otro lado, hay una cantidad enorme de películas caras que no aportan nada desde el punto de vista estético; la relación es asimétrica.

Recomiendo ampliamente ver la versión larga de Fanny och Alexander. El primer episodio no aporta mucho a la historia -o al menos yo no le entendí (después de dos intentos)-, pero es una belleza desde el punto de vista de la cinematografía. Después, la historia simplemente envuelve al espectador.

The Suburbs - Arcade Fire

The Suburbs is a great description about life in, well, the suburbs, but Trailer Park Boys is arguably better.

Cool stuff have come from Canada lately.

The Open Society and Its Enemies - Karl Popper

Karl Popper's The Open Society and Its Enemies is a two volumes 700 pages oeuvre aimed at attacking the telelogical historicism Plato, Hegel, and Marx, but also by Aristotle.

The critiques to each of these philosophers followed diverging paths after the publication of The Open Society. As a result of his opinion about Plato, Popper was unable to get a teaching position at the University of Chicago. In fact, Popper was one of the few philosophers in the last 25 centuries that has dared to say that Plato was a racist and totalitarian:

"Plato's idealist historicism ultimately rests not upon a spiritual, but upon a biological basis; it rests upon a kind of metabiology of the race of men. Plato was not only a naturalist who proffered a biological theory of the state, he was also the first to proffer a biological and racial theory of social dynamics, of political history (p. 78)."

As of today, Plato is still widely admired and few people ignore (delibaretly or inadvertently) the dark side of his political theory.

Popper's critique to Aristotle has been mostly forgotten, partly because Aristotle has become irrelevant today. About his thoughts, Popper wrote the following:

"(...) with Aristotle, Platonic philosophy gives up her great aspirations, her claims to power. From this moment, it could continue only as a teaching profession. And since hardly anybody but a feudal lord had the money and the leisure for studying philosophy, all that philosophy could aspire to was to become an annex to the traditional education of a gentelman (p.222)."

Popper loathed Hegel. According to Popper, Hegel was unoriginal, and his style was terrible, and I agree with him on this last point. According to Popper, philosophy lost all usefulness for society after Hegel, and I tend to concur with him on that. In Popper's own words.

"There is nothing in Hegel's writing that has not been said better before him. There is nothing in his apologetic method that is not borrowed from his apologetic forerunners. But he devoted these borrowed thoughts and methods with singleness of purpose, though without a trace of brilliancy, to one aim: to fight against the open society, and thus to serve his employer, Frederick William of Prussia (p. 246)."

Popper's critique of Hegel had a very sad fate: it was perverted. In his controversial book The End of History and the Last Man, Francis Fukuyama basically recycles Hegel (or rather, the interpretation a guy named Kojève makes of Hegel) as a democrat. In most circles, that's the view that prevails of Hegel today. Most circles take Hegel's disastrous prose as a proof of erudition.

Of the four authors analyzed in the book, Marx is the one Popper respects the most. Popper opens his analysis about Marx by saying that "a return to pre-Marxian social science is inconceivable (p. 294)."  However, and in line with the overarching theme of the book, he dismisses Marx's prophetic analysis:

"Marx was, I believe, a false prophet. He was a prophet of the course of history, and his prophecies did not come true; but this is not my main accusation. It is much more important that he misled scores of intelligent people into believing that historical prophecy is the scientific way of approaching social problems (p. 294)."

It must be mentioned that Popper criticized Marx's historicist approach to social sciences while praising his views on 19th century unfettered capitalism. Today, the nuances regarding Marxism are completely lost: in line with other developments of today's society, where space for nuances are almost non-existent, Marx is seen in black or white. Sadly, even people who studied with Popper directly overlooked the positive aspects of Marxism. This is mostly the case of George Soros' Open Society Foundation, which is, according to his founder, based on Popper's thoughts and ideas (it's not, or at least not to the extent Soros claims it is).

Bottom line is that Popper's only approximation to political science (he was a science philosopher and returned to that discipline after the release of The Open Society) has been neglected, forgotten, perverted, or misunderstood....

In any event, I suppose we can't blame Popper for lack of trying...

Sunset Boulevard - Billy Wilder

Sunset Boulevard is a fantastic movie. As usual, Roger Ebert wrote a fantastic piece reveiwing it. So, instead of writing about this movie, I will write about why this movie still attracts modern audiences and let the reader to check out Ebert's text.

Sunset Boulevard didn't win the Oscar to Best Movie for three reasons. First, it was competing against All about Eve, one of the best movies ever. Second, it was a critique of Hollywood, and Hollywood doesn't like being criticized. Finally, it was too flamboyant for its age. This last point is why Sunset Boulevard keeps fascinating audiences until today. For one thing, our World is more flamboyant and extravagant than 50 it was years ago; today, audiences are not surprised by an old woman paying for the company of a boy toy: in fact, there are a couple of reality shows about that. The fear of being old and forgotten, the main story of Sunset Boulevard, is not exclusive of actors and artists anymore, and has permeated across all social layers, and Facebook is a testimony of that.

Media today love to forget artists just to remember them 30 years later when they are old, poor, and creepy; just think about Macualay Culkin, whose raise and fall is very similar to Norma Desmond's. The explosion of botox and aesthetic plastic surgery are just the modern version of the tortures Norma Desmond went through when she tried to come back. Last, Sunset Boulevard is a movie about thieves, people without sense of honor. That bodes really well with current tastes.

Sunset Boulevard is a must-see movie, probably more today than it was in the 1950's. Audiences would benefit greatly from understanding this line of dialogue: "there's nothing tragic with being 50, unless you preted to be 25".

Grace - Jeff Buckley

On August 1994, Jeff Buckley issued Grace, the only album he would be able to complete before his death in 1997. His cover of Bob Dylan's "Hallelujah" is probably the best interpretation of this song, and definitely the best song of the album.

We don't talk a lot about Buckley these days, but at one point he was considered one of the best musicians of history. It's anybody's guess if he would have reinvented himself or he would have become one more singer had he lived longer.

Historic memory tends to be unfair with artists: writers who are very successful during their lifetimes are forgotten on day one after their death and viceversa. And that's what happened to Buckley: a lot of musicians sounded like him in the 1990's and his premature death prevented music fans from that time from giving him a second chance. In fairness, he became famous shortly after his death, and then he fell back into the common stock of singers of the 1990's.

Today, Buckley is one more reference of the music that was done in the 1990s. The BBC uses his song "Grace" to teach people about rock music, and a NPR intern finds him generic, as I think most music listeners of his generation would do.

I still recommend Grace as the testimony of an era, the 1990's. Also, music and art in general tend to be cyclical: I'm pretty sure a couple of years from today someone will look at Buckley and will think he's great. Then, this blog will become cool and I will have thousands of visits. Looking forward to it...

Zeibekiko-The Greek Concert - Nederlands Blazers Ensemble

Many years ago, Internet promised to be an open highway, wherein information would flow freely and which could, eventually, allow human beings to have better understanding of each other.

It took just a couple of years for reality to deny that belief: newspapers eventually started charging for their material, which actually makes sense: journalists have to live out of something. But then, google and other search engines started burying non-commercial material underneath thousands and thousands of pages with a commercial purpose. Google and its peers say that the results retreived after a search engine are the aggregation of millions of clicks: the websites you get are the most popular. In reality, the results are also influenced by your location, age, and other pieces of information your computer gets from you every time you log in the internet. Two people searching for the same term are likely to get different results.

I was thinking about this as I started doing some research for this post. I think Zeibekiko is a really good album and tried to research more about the Nederlands Blazers Ensemble (according to Wikipedia, it's an ensemble of Dutch musicians) All the results I got from google were either sites where you can download Zeibekiko for free, or amazon and pages where you can buy the material. This post will never make it to the top-10 of google, and I guess that's fine: this is just an amateurish blog with no pretentions whatsoever. Also, I guess it's more important for people to actually listen to the music than reading a post about it. However, there is something sad in realizing that, like many times before in human history, commercial interests, will prevail online.

The Greeks knew one thing or two about that...

Comment les démocraties finissent - Jean-François Revel

(…) [L]’ouvrage qui s’achève avait pour objet non de comparer les mérites respectifs du capitalisme et du communisme, de la démocratie et du totalitarisme, mais uniquement de se demander lequel des deux systèmes est en train de faire reculer l’autre.

Pendant toute la Guerre Froide, y compris dans son ouvrage Comment les démocraties finissent, Jean-Francois Revel a soutenu que le communisme finirait par vaincre les démocraties occidentales en raison de leur lâcheté. Le destin démentirait Revel, et en 1991, l’Union Soviétique a cessé d’exister.

Pourtant, la lâcheté des démocraties est toujours là, comme vient de le montrer la réaction des puissances occidentales à la récente annexion de la Crimée par la Russie. Les défauts chez les occidentaux (surtout les européens) que Revel a soulignés tout au long de sa vie, sont toujours là, et on peut même dire que ces défauts ont été magnifiés davantage depuis 1991 : les européens occidentaux (de l’Allemagne jusqu’au Portugal) ont oublié ce qu’est la souffrance, la faim, la guerre, le sacrifice, et l’effort. Par contre, ils ont appris, même s’ils le nient et se prétendent progressistes, ce qu’est la realpolitik : aucun européen n’est aussi stupide pour se battre pour l’Ukraine.

Revel craignait que le communisme ne s’impose en Europe. Aujourd’hui, la Chine est le pays le plus capitaliste du Monde et Poutine est un très bon ami des capitalistes russes.  Le risque n’est plus que le communisme devienne le régime dominateur du monde, mais que les démocraties libérales perdent leur relevance et qu’un capitalisme autoritaire supplante le régime social-démocrate qui, malgré tout, existe aujourd’hui en Europe et reste comme un modèle à imiter.

El espíritu de la colmena - Víctor Erice

Es muy difícil que una película con mensajes velados a una generación envejezca bien. Es mucho más difícil aún que una película que haga referencia a eventos de la generación anterior sea apreciada al pasar el tiempo. Y es casi imposible si esos mensajes velados permanecen en la memoria colectiva.

Por eso no me gustó El espíritu de la colmena, una película que muchos consideran una obra maestra del cine español. Filmada en 1973, en las postimetrías del franquismo, El espíritu de la colmena es la historia de dos hermanas en un pueblo perdido en medio de España al finalizar la Guerra Civil Española. Debido a la censura todavía prevalente en la época Erice tuvo que valerse de varias alegorías y mensajes escondidos para dar un mensaje que, en realidad, nadie sabie bien a bien qué es, y quizá por eso fue tan exitosa en su momento. La película me pareció lenta, cansina, repetitiva, y sin trama aparente. La cinematografía, por otro lado, es preciosa y vale mucho la pena para los interesados en estudiar y hacer cine. 

Pocos países han cambiado tanto como España en los últimos 40 años; para muestra basta la canción "Poco antes de que den las 10" de Joan Manuel Serrat, grabada en 1971, y cuya letra es totalmente anacrónica: hoy las madres le piden a sus hijas que lleguen antes de las 10 de la mañana del día siguiente y sin drogas en el torrente sanguíneo. A la luz de los cambios sociales y económicos que han acontecido en España (una misma generación fue pobre, rica, y otra vez pobre), lo lógico sería que los matices y los códigos de El espíritu de la colmena se pierdan y que las nuevas generaciones dejen de apreciarla. 

Y, sin embargo, ese no ha sido el caso. En su 40 aniversario, varios medios, incluido El País, dedicaron mucha tinta y bytes a explicar por qué El espíritu de la colmena es una gran película que vale la pena ser vista. Supongo que eso se debe a que una opinión repetida muchas veces termina por ser verdad. A muchas películas de cine les pasará algo parecido que al Quijote, La Biblia, Mozart, la ópera, y otros elementos de arte clásico que nadie conoce pero todos se aprestan a citar y alabar. Con el cine, lo que pasará (está pasando) es que las audiencias verán las películas viejas sin entenderlas pero repitiendo que son grandes obras para no descuadrar.

La masificación de la cultura no nos está haciendo más inteligentes o más refinados; al contrario...

Hotel, dulce hotel - Joaquín Sabina

Hotel, dulce hotel fue el séptimo disco de Joaquín Sabina. Con sólo 37 minutos y 9 temas, el disco ha caído en el olvido con la excepción de los primeros 3 temas ("Así estoy yo sin ti", "Pacto entre caballeros", y "Que se llama soledad"), que se han vuelto clásicos y que fueron descubiertos por las nuevas generaciones gracias al disco/dvd Nos sobran los motivos.

Fuera de eso, Hotel, dulce hotel es un disco ochentero más de Sabina, con todo lo que eso significa: letras y ritmos muy específicos al contexto en que fueron escritos y, sobre todo en lo que concierne a los arreglos, imitaciones mediocres de lo que se hacía en el mundo anglosajón.

Este es un disco prescindible. Para descubrir a Sabina, me queda más claro cada vez, lo mejor es el ya citado Nos sobran los motivos.

Hasta luego - Los Rodríguez

Hubo una época, entre 1980 y 2000, en la que que España era un ejemplo a seguir para América Latina: una economía exitosa, una democracia establecida, y un país relativamente tolerante con los inmigrantes, principalmente  los que venían de las antiguas colonias. Después, como suele ocurrir, la sociedad española se aburguesó, eligió a dirigentes analfabetas que no eran otra cosa que su reflejo, y, quizá lo más importante de todo, entró al Euro, cuyas fallas de diseño hacen que España sea, junto con otros países del sur de Europa, una ruina económica en la que un crecimiento de 0.3% anual se festeja como evidencia de la salida de la crisis... (el pueblo español, que en los años de bonanza se dedicó a estudiar periodismo y fundar ONGs, y por lo tanto no tiene mecanismos de defensa intelectual contra estos timos, festeja complacido)

En la década de los 1990, cuando España era realmente un faro de esperanza, surgieron Los Rodríguez, un grupo de argentinos y españoles que conquistó a las dos orillas del Atlántico con la notable excepción de México, donde nunca se llegaron a presentar en vivo. En alguna ocasión, Andrés Calamaro dijo que la falta de éxito de Los Rodríguez en México se debió a un tema de promotores; supongo que en parte es cierto, pero en realidad, México estaba, como suele ocurrir casi siempre, viéndose el ombligo y viviendo su propio movimiento musical aparte de América Latina con bandas como Molotov, Café Tacvba, Control Machete, entre muchos otros, que dejaban muy poco espacio a bandas extranjeras con dos excepciones: Héroes del Silencio, que  tenía un guitarrista mexicano, y La Ley, cuyos miembros viven, a la fecha, todos en México. México abriría completamente sus puertas a bandas de otros países con el primer Vive Latino de 1998, pero para entonces Los Rodríguez ya habían desaparecido y Andrés Calamaro estaba en un proceso de introspección, pero eso es otra historia.

Los Rodríguez pegaron con tubo porque la combinación de españoles y argentinos no se limitó a homenajear los ritmos tipicos de los dos países de origen de sus miembros, sino a incorporar a su repertorio ritmos de otros países de Hispanoamérica, una canción de José Feliciano, baladitas pop, y rocks ligeros y frescos.

Hasta luego es un disco que vale mucho la pena tanto para los coleccionistas como para los no iniciados.

The Wall (Live in Berlin) - Roger Waters

One year after the fall of the Berlin Wall, Roger Waters and a bunch of other artists performed Pink Floyd's classical The Wall in Potsdamer Platz, a location where Eastern Berliners were shot for trying to go to West Berlin.

Over 350,000 people attended the concert, which was broadcast in 52 countries. The World was quite optimistic about the future back then and the massive scale of the show, still impressive almost 25 years later, is a testimony of that.

Since the aftermath of the show, Waters has been criticized for inviting pop musicians like Cyndi Lauper or Bryan Adams to perform. I think people who make that point completely misunderstand the purpose of this concert: this was not about music, but about providing The Wall with a completely new meaning, and I think Rogers succeeded on that: when people listen to "Another Brick in the Wall (Part 2)" today, they don't think about Pink's introspective processes, but about political repression and manipulation, something reminiscent to the Berlin Wall.

I highly recommend this video. As I said, the production is quite impressive, and the music is quite good, even if, I have to concede, Cyndi Lauper's performance is nonsense...

Carpenters Gold

We can't understand modern pop without The Carpenters. Vilified for being corny and unauthentic (their repertoire includes a large number of covers, such as this one), they set up the tone for soft music: simple melodies, love-related lyrics, and above-the-average string arrangements. Towards the end of their career, Richard Carpenter had become addict to quaaludes and Karen Carpenter died as a result of eating disorders. The perfect image of a siblings band singing music pallatable for (almost) everybody was just that: an image. A cynic might say that, if you're going to live and die as a rockstar behind scenes, you might as well do it in front of them...

To be fair with them, and in contrast with some modern pop bands, the Carpenters did put some effort in their music, as unoriginal as it was. Karen's voice was unappreciated at the time (today, her tone is basically the norm), and that forced the band to produce high quality material.

It's obviously not their fault, but since their succes their success, pure rock bands have found difficulties finding funding. Music companies started producing en masse Carpenters-like groups that could appeal to the largest number of people, from grannys to elementary school children.

The Carpenters is one of these bands you have to hear if you want to know why music is what it is today. But don't get Carpenters Gold, a 40 songs 2.5 hours long collection. You only need "Let me be the one" and "Close to you" to get an idea of their material.

Little Ashes - Paul Morrison

While mainstream critics and the public at large think that Little Ashes is a bad movie,  Roger Ebert and the Gay and Lesbian Association Against Defamation think it's great. Little Ashes is a low-budget movie that speculates about the intimate relation between Salvador Dalí and Federico García Lorca, and Luis Buñuel's homophobia. For many modern audiences, for whom these three names mean nothing, Little Ashes is the love story of two homosexual artists in Madrid.

As you will be able to discover throughout the movie and confirm in the last scenes, this was an extremely low cost movie and never made it to the big theaters. As a society, we are not ready yet to leave the old Hollywood stories and stereotypes. This is pitiful: the reason why movies are dying and series are thriving is because we are getting tired of the same old stories even though we are not ready to discover new topics. Hollywood should start funding and pushing movies like Little Ashes in theaters, otherwise movie-making and Hollywood as we know it will die.

 I recommend this movie: the characters are really well developed, which is the least you can ask in a movie with so many financial limitations. Also, it offers a window to one of the most prolific and controversial periods of Spain's culture; hopefully people will read Garcia Lorca or watch Buñuel films afterwards.

Utopía - Joan Manuel Serrat

En estos días, Utopía es un disco sumamente emocional: Paco de Lucía, recientemente fallecido, puso la guitarra a la canción homónima del disco. El disco tiene momentos bastante memorables, como "Toca madera", y "Disculpe el señor", dos clásicos, o "Juan y José", una bella canción sobre la amistad que, no por anacrónica (¿quién escribe cartas actualmente?) deja de ser conmovedora.

Lanzado en 1992, justo antes de los Juegos Olímpicos de Barcelona, Utopía es un disco bueno a secas, ; tomando en cuenta las producciones de Serrat de los años 80 y 90, eso no es un logro menor. En estos días, el Marxismo explícito del disco se oye con ternura y, en algunas instancias hasta nostalgia: "Utopía" y "Disculpe el señor" son recordatorios de que, a pesar de que ya murió el sueño del socialismo la pobreza está siempre ahí...

El problema de Utopía, como con todos los discos de Serrat de esa épocam no son las letras: Serrat es uno de los mejores compositores vivos de la lengua española. El problema son los arreglos, que se escuchan baratos, de poca calidad. Paradójicamente, Serrat nos daba discos llenos de arreglos de mala calidad cuando las compañías discográficas tenían ganancias e invertían en sus artistas, pero ahora que las compañías de discos son ejemplos vivientes de la destrucción creativa del capitalismo, Serrat nos presenta discos bastante decentes, como Serrat Sinfónico e Hijo de la Luz y de la Sombra.

Impermanence - Meredith Monk

If you don't like Meredith Monk, you're better off skipping this album.

If you don't know Meredith Monk, you're better off watching her live videos, like everybody who knows Meredith Monk does.

La dolce vita - Federico Fellini

La crítica es unánime: La dolce vita de Fellini es una de las mejores películas que se han hecho, una de esas gemas que salen cada 10 años, indispensable para los que quieran entender al cine y su historia. Pero, de todo lo que he leído sobre ella, sólo esta crítica de The Guardian reconoce que La dolce vita no ha envejecido bien: las referencias al catolicismo que llevaron a su prohibición carecen de significado en un mundo cada vez más alejado de la religión y cada vez más inculto para entender referencias veladas a cualquier libro, sobre todo la Biblia; la orgía es bastante liviana en comparación con las escenas sexuales que se ven ahora en cualquier telenovela, y tres horas de escenas vagamente relacionadas entre sí sin un hilo conductor claro es algo que desespera a las audiencias modernas.

The Wolf of Wall Street muestra que, aunque queda poco espacio para películas como La dolce vita, todavía se puede conquistar a la audiencia con películas largas críticas de los absurdos de la sociedad, aunque los realizadores que quieren entrarle a este tipo de proyectos tienen que entender que están condenados a ser vistas como productos de su época, y no joyas universales.Si comparamos la película de Fellini con la de Scorsese, vemos que ambas hablan sobre los excesos de la élite, ambas muestran escenas de sexo, y ambas terminan con un final ambiguo. Pero, a diferencia de La dolce vita, The Wolf of Wall Street nos resulta digerible porque tiene una estructura lineal clara, las escenas de sexo son más crudas, y deja de lado todas las referencias teatrales y el tema de filosofía existencialista que sí vemos en Fellini, en parte porque el existencialismo nunca le gustó a los gringos (Sartre era comunista), y en parte también porque sería totalmente irreal mostrar a un banquero filósofo. Tanto La dolce vita como The Wolf of Wall Street son productos de su época y su contexto, y por lo tanto tienen que ser vistas como eso: una crónica de una época en específico, no retratos perennes de la humanidad y la mísera condición humana.

La dolce vita, con sus escenas de amor homosexual, su crítica a la decadente aristocracia del siglo XIX, su narración sobre el naciente show-business (la palabra paparazzi viene de esta película) y sus muestras de opulencia en un continente que apenas estaba creando prosperidad tras la Segunda Guerra Mundial, tuvo mucho sentido en la Europa de los 60, pero hoy ya no: a la fecha, sólo los países subdesarrollados y los musulmanes estigmatizan la homosexualidad; los aristócratas y nobles del siglo XIX se han convertido en comidilla para el lumpenproletariado, y Europa pasó de ser el faro de la civilización a un lugar de viejos cada vez más pobres.

El hombre del traje gris - Joaquín Sabina

El hombre del traje gris fue un álbum de transición entre el Joaquín Sabina que intentó hacer rock, muchas veces con resultados lamentables desde la perspectiva de hoy, y el actual, el que se dedicó a hacer poemas musicalizados.

Como toda transición, este disco incluye elementos del nuevo y el viejo estilo; el eclecticismo es lo que lo define. "Eva tomando el sol", una balada lenta que daría la pauta para el Sabina de hoy, es seguida por "Besos en la frente", intento de rock, también seguida por la super-melancólica "¿Quién me ha robado el mes de abril?" (mi favorita).

Este es un buen disco para el público en general, con un Sabina pleno, quizá en su mejor momento creativo.

Conquest (Marie Walewska) - Clarence Brown

Conquest depicts the affair of Napoleon Bonaparte and her "Polish wife", Marie Walewska. According to Wikipedia and other sources online, including Walewska's own memories, the movie has a lot of resemblance to historical facts.

Like most movies of the 1930s, Conquest is a collection of theater-like dialogues between the two main characters interrupted by the appearance of some secondary characters. Events outside the love story are nothing but encores linking two scenes where the two main characters just talk and kiss. Over-explotation of Napoleon and Marie leaves outside important pieces to understand the main story: Movies were different from what they are today: they were understood as an extension of theater and hence and opportunity to see actors interpreting characters. Back in the day, a convincing love scene was more important than the plot. Today, the plot is as important as acting, if not more. Also, movies were directed to audiences with some cultural background: in the case of Conquest, Napoleon's evolution from a liberator to a would-be dictator is mentioned en passant, even if it's arguably one of the most important reasons why his love story with Marie falls apart. Audiences were supposed to know these things.

Shortly, Conquest is a movie worth watching for people interested in the history of film-making. The love story is too cheesy for today's fast-love standards, and Napoleonic history is mostly forgotten outside of France. Perhaps the only thing that may interest today's audiences is the characterization of Napoleon by Charles Boyer: at a time when we are all surprised by Charlize Theron's physical transformation in Monster, or Christian Bale's permanent and amazing look changes, it is worth seeing Boyer, considered a sex-symbol at the time, characterizing a despicable and ugly man wearing tight pants with a big  belly.