Monday, September 30, 2013

In the Court of the Crimson King - King Crimson

Rock & roll and pop are the direct sons of blues. If you listen carefully, you can easily track the structure of most rock and pop songs to the blues' basic melody. When rock & roll was in its infancy, however, some bands were influenced by jazz rather than by blues. Progressive rock and heavy metal are directly linked to jazz: a guitar virtuoso is closer to Charlie Parker or Thelonious Monk than it might seem. 

The ultimate example of how progressive rock is linked to jazz is King Crimson and their debut album, In the Court of the Crimson King, which is probably the first progressive rock recording in the "proper" sense of the term. Noise and lyrics apart, this KC concert in 1969 can perfectly pass as a jazz show. In addition to its excellent musical quality, In the Court of the Crimson King is an extremely important album in the history of music because it created a clear distinction between the bands who claimed their ascent from blues (pop, light rock) and the children of jazz (heavy metal, progressive). Since then, few bands, with the remarkable exception of Pink Floyd, have tried to bridge the gap between the two traditions of modern music, forget about doing it successfully. 

There is a reason why late 1960's bands like KC decided to emulate jazz rather than blues: jazz is much more complicated and structured than blues, and offers more possibilities to experiment and improvise live. Jazz allows musicians to push music to its limits: scales, tempos and improvisations are subject to the imagination and ability of the interpreter. The link between jazz and progressive rock is the result of hyperactive, hypercreative, and hyper-high musicians who got tired of the structure of "Hey Jude". 

Since their first album, KC has done exactly that: push the very concept of music to its last limits. Though the band is now pretty much in the mainstream, the reality is that every production of King Crimson is an experiment, some of which are quite decent, and some of which are a complete disaster. There are two problems with being a continuous experimentation: the first one is that people eventually get tired of experimenting; that explains why KC doesn't really exist as a band. KC dissolves every now and then because they get tired of Robert Fripp's ideas. KC is, in fact, Robert Fripp and the musicians who share his conception of music at a given moment. The second problem with being an experiment-in-the-making permanently is that your fan base becomes very narrow and composed mostly of groupies who really don't have any criteria. Most people wouldn't believe that this song and this song are performed by the same band, and in fact they arent: KC is just a label for Robert Fripp's creativity and escort musicians. Fans who say they like "everything" or "most" of what KC produced don't realize that the band have produced very contradictory pieces in their 40+ years of trajectory.


Friday, September 27, 2013

Re - Café Tacvba

Se ha vuelto un lugar común decir que México cambió en 1994: el levantamiento zapatista, el asesinato de Colosio, la quiebra del país, la entrada en vigor del TLCAN, y la elección de Ernesto Zedillo, que hasta la fecha es el único presidente mexicano que ha reconocido que ganó en condiciones inequitativas, se citan como el conjunto de momentos que llevaron a la transformación del país. Los historiadores, y cada vez más los periodistas y los comentócratas, tienen fama de hacer observaciones tan mesiánicas como esas. Aún si asumimos que el país realmente cambió gracias a uno o a todos esos acontecimientos, es obvio que las condiciones objetivas y subjetivas que llevaron a ellos tomaron mucho para concretarse: hay reportes de grupos guerrilleros entrenando en el sureste desde los 80; el TLCAN se negoció en 6 años, y el PRI, y con él la sociedad mexicana, fue cambiando lenta y paulatimanente desde su creación en 1929. Los cambios históricos no ocurren de un día a otro: empiezan sin que nos demos cuenta y después a algún listo se le ocurre decir que, en una fecha específica, un acontecimiento llevó a un cambio profundo de las cosas.

Con la música es más fácil. Los discos nos permiten (o nos permitían) aseverar con  exactitud cuándo un movimiento artístico, un país, o un artista, cambia. Y así, podemos afirmar, sin temor a equivocarnos, que el rock mexicano cambió en 1994. En ese año, Caifanes sacó El Nervio del Volcán, que a la postre sería su último disco, y Café Tacvba sacó Re, su segunda producción discográfica. En 1994 se efectuó el relevo generacional y de clase del rock mexicano: Saúl Hernández, el chavo banda de la Colonia Guerrero, fue revelado por los chavos universitarios de Ciudad Satélite, ese lugar cuyos primeros residentes fueron, según Carlos Monsiváis, la primera generación de norteamericanos nacidos en México. Desde entonces, ninguna banda de estrato social bajo ha triunfado a gran escala. Café Tacvba puso de moda las cajas de sonido. Así, con el cambio generacional, murió el único intento serio que han hecho los músicos mexicanos de ser virtuoso con los instrumentos: Lino Nava y Marcóvich le dieron paso a los hermanos Rangel y sus imitadores que, si bien no están mal, no son un dechado de virtudes. Con Re, Café Tacvba puso el ejemplo de la música que debía hacerse para ganarse a la clase media (aspiracional y auténtica) y alta y el tipo de gente que tiene posibilidades de triunfar: los hipsters

En alguna ocasión leí o escuché que, en los años 60, El Tri empezó a cantar lo que la gente de México, para que, veinte años después, Caifanes empezara a interpretar lo que esa misma gente sentía. En Re, Café Tacvba sintetizó ambas cosas. Con Re, Café Tacvba se afianzó como la única banda mexicana que no sentía vergüenza de ponerse pantalones de mezclilla sin penacho (Caifanes) ni necesidad de gritar como un histérico las mismas necedades durante 30 años (El Tri). Nadie, ni siquiera el propio Café Tacvba, ha sintetizado tan bien todas las corrientes del rock comercial mexicano desde entonces y, a la luz de la evolución musical del propio Café Tacvba, es evidente que ellos no lo van a hacer en lo que les queda de carrera. 

Recientemente, la versión en inglés de Rolling Stone catalogó a Re como el mejor disco de rock latino de la Historia. Y de hecho, desde que salió, se ha dicho que lo mejor de Re es la forma en que combina rock-pop con diversos ritmos musicales populares mexicanos como la tambora, el bolero, y la norteña, así como referencias al pasado prehispánico del país (verbigracia "El fin de la infancia", "Madrugal", obviamente "Ingrata", y "El Tlatoani del barrio"). A mí me gusta plantear esa aseveración de una forma un poco diferente: Re muestra, como en su momento lo hizo "La Negra Tomasa" de Caifanes, o Molotov cantando canciones de José José, que los mexicanos no somos rockeros. Ni siquiera pop-rockeros. Si una banda mexicana quiere triunfar comercialmente, tiene que hacer una mezcla con algún ritmo tradicional (por suerte, la cultura tradicional es mexicana es tan rica que hay mucho de dónde escoger sin repetirse o copiar demasiado a otras bandas), hacer un cóver de una canción tradicional o de los años 50-60 (juego que Café Tacvba entendió a la perfección, como demuestra su Avalancha de Éxitos), incluir términos y juegos de palabras que sólo entienden los mexicanos o, ya si de plano no  da la creatividad, tomarse fotos en algún palenque de Paquita la del Barrio. Una banda que haga referencia exclusivamente al rock como se entiende en Estados Unidos y Europa está destinada a fracasar rotundamente o, en el mejor de los casos, a ser una banda de una canción y punto. 

Re es un buen disco, el mejor que ha hecho Café Tacvba si excluimos su Unplugged, que no es otra cosa que una interpretación acúsitca del propio Re... En cierta forma, y gracias a las combinaciones que hace de rock-pop con ritmos tradicionales mexicanos, es una excelente introducción a la música mexicana para extranjeros o para clasemedieros que no salen mucho de la ciudad. Involuntariamente, Re es el equivalente a los últimos libros de Carlos Fuentes, destinados más a los extranjeros que a los propios mexicanos.

Sunday, September 15, 2013

Flamenco Arabe 2 - Hossam Ramzy & José Luis Montón

Flamenco Arabe 2 pretends to fusion José Luis Montón's flamenco guitar with the talent of Hossam Ramzy playing Arabic traditional instruments. Both Montón and Ramzy are extremely talented musicians. For what it's worth, Ramzy played with Peter Gabriel prior to the recording of Flamenco Arabe 2.

For some reason, I found this album tremendously disappointing. There are three possible non-excluding reasons for that: the first reason is that, after the work of Michel Camilo and Tomatito, my standards for flamenco-fussion are very high. The second reason is that I'm probably too tired of listening Mediterranean music. I'm going to give it a break, go back to King Crimson for a couple of weeks, and then come back. The third reason is that Flamenco Arabe 2 sounds like any modern Arabic music album. We all know that Arabic countries have had tremendous problems dealing with modernity in all aspects, and music is not the exceptions. For most Arabic musicians, modernity means using the same instruments that have been played in the region for the last 500 years, only faster and with some Western arrangements. And that's the problem with this album: it's too Arabic, up to the point where the influence of flamenco is lost. Nightclubs in Marrakech, Tunis, or El Cairo can play this or any other album in the top-100; listeners will not notice the difference. This blog makes a similar statement about this album, though using a more subtle style. 

The best song of the album is probably "Arena", written by José Luis Montón, who says the following about it:

"With this Cadiz rhythm full of warmth, I try to twin two towns and two sands: sea and desert." 


The Chicano - Edward Simmen

The best way to pave a way in America's academic life is to come up with a definition for a term that has remained loosely defined. How many academics have achieved tenure for providing a definition for words like "globalization", "governance", "development", or "Renaissance", just to mention a few examples?

Ed Simmen became a worldwide reference for Chicano affairs with his book The Chicano: From Caricature to Self-Portrait. After publishing The Chicano, Simmen became a reference on Hispanic affairs, and he moved to Mexico, where he became a reference on American immigrants affairs... Simmen's cast a long shadow, as this text on Chicano affairs from the late 1980's shows. 

The reason why The Chicano was fundamental for both Simmen's career and Hispanic studies in general is that Simmen provided the first operational definition of chicano in this book. According to Simmen, a chicano can be defined as "a dissatisfied American of Mexican descent whose ideas regarding his position in the social and economic order are, in general, considered to be liberal or radical and whose statements and actions are often extreme and sometimes violent (p. xiii)." Simmen crafted this definition in 1971. It is worth noting that, a couple of years later, Reagan would famously declare that "Hispanics [the word 'chicano' is no longer used as it is considered derogatory] are conservative, they just don't know it."

Remarkably, The Chicano is not an academic book, but a collection of short stories. The fact that a linguist collecting short stories was able to set the terms of the debate on what chicanos are is a testimony of the lack of interest that this group arose among mainstream academia in the United States. Similar to North of the Rio Grande, which collects a series of short stories about Mexicans in the United States, The Chicano presents a number of short-stories on Mexican-Americans. The quality of the texts is heterogeneous: big names in American literature such as Jack London ("The Mexican"), John Steinbeck ("The Flight"), and Ray Bradbury ("The Wonderful Ice Cream Suit") join semi-anonymous and sometimes amateurish writers in a single book. I particularly found most of the stories naive and full of stereotypes. Sadly, the first stories, written the late 1860's and 1930 show Mexican-Americans as brave and gallant men ready to run away with their beloved as soon as possible, while the latest stories, written between the end of World War II and the late 1960's are full of stereotypes: Mexicans (and Mexican-Americans) are lazy, ugly, dirty, and all they do is drink tequila and listen mariachis...

After moving to Mexico, Simmen published a third book called Gringos in Mexico, which is (you guessed right!), a collection of short stories written by Americans living in Mexico. Simmen didn't have enough time to issue a fourth book collecting short stories written by Mexicans about Americans in Mexico. Life is sometimes too short...

GoodFellas - Martin Scorsese

GoodFellas has been compared with The Godfather since it was released in 1990. For some people, GoodFellas is "the best mob movie ever". For others, The Godfather trilogy is a combination of poetry, literature, and great filming and acting. The debate is based mostly on tastes and preferences and will have no conclusion.

I'd like to think about GoodFellas and The Godfather as complements rather than rivals or competitors. The Godfather can be seen as the story of high-level mafia , while GoodFellas is about the guys who "implement" the operations in the ground.  Francis Ford Coppola tells the story of a good man who becomes bad almost by accident (Michael Corleone), while Scorsese wants to talk about a guy who always wanted to be bad (Henry Hill).

Saturday, September 14, 2013

Tres culturas - Eduardo Paniagua

En mi primer post sobre música sefardí me lamenté sobre la falta de interés que genera en España esta cultura y la época medieval en general. La mayoría de las producciones musicales que he conseguido son producidas en Francia y, en menor medida, en el resto de Europa y Estados Unidos, que son los únicos lugares en el mundo en los que la gente se ha hecho a la idea de la existencia de los judíos. En España, donde la gente no se ha hecho a la idea a la existencia del país mismo, están a años luz de aceptar a los judíos como parte de su historia y de su presente.

Por suerte, siempre hay algún atisbo de esperanza. Eduardo Paniagua es un arquitecto, músico, y emprendedor que lleva por lo menos 30 años intentando rescatar y masificar el legado cultural de la España municipal. Como siempre ocurre en los países ibéricos y en sus antiguas colonias americanas, el cainismo ha empujado a Paniagua a buscar éxito y fortuna fuera de su país. Hasta la creación de su propio sello discográfico, Pneuma, la mayoría de los discos de Paniagua habían sido producidos en Francia.

Tres Culturas es un gran disco. Como su nombre lo indica, el objetivo es presentar música de las tres culturas que estuvieron presentes en España durante la Edad Media: la cristiana, la judía, y la medieval. Las primeras 5 canciones son sefarditas e incluyen la famosa "Ya viene el cativo". Las siguientes 10 piezas son composiciones para el Camino de Santiago compuestas por Teobaldo I de Navarra, Alfonso X el Sabio, y composiciones autores anónimos recopilados en el Códice Calixtino. Finalmente, las últimas 3 canciones son musulmanas.

Más allá de una excelente interpretación y producción, Tres Culturas vale mucho la pena porque nos recuerda cómo un país tan pequeño como España fue, y lo seguirá siendo mientras exista, tremendamente diverso. Es difícil creer que los laúdes del desierto y las gaitas de los climas lluviosos puedan coexistir en un mismo país, y quizá esa sea la tragedia: quizá las gaitas y los laúdes no pueden convivir y es necesario levantar una frontera entre ambos... Los españoles tienen la última palabra.

El libro que acompaña el CD incluye una contextualización del disco, de la cual se extraen los siguientes fragmentos:

***

'Mientras cantaba, no fueron las cuerdas del laúd,sino mi corazón lo que hería con el plectro.Jamás se borrará en mi memoria aquel día..."Ibn Hazm, 'El collar de la Paloma', s. XI
 Una visiíon completa de la rica realidad multicultural y multirracial de la península ibérica exige el conocimiento de las diferentes corrientes musicales coincidentes en el tiempo, compartiendo el espacio de la España postvisigoda. Por un lado, dividida en varios reinos cristianos: primero el reino Astur-Leonés, y posteriormente Galicia, Portugal, Castilla y León, Navarra, Aragón y Cataluña. Y por otro lado, Al-Andalus islámico, subdividido a su vez en decenas de reinos diferentes en la época de los Taifas del siglo XI.
Una visión sintética y global de la música de la España medieval ha de tener en cuenta estos pueblos que, si bien en el aspecto político, religioso y filosófico mantuvieron criterios diferentes, en el aspecto cultural y, especialmente en algo intangible como es el mundo de la música, tuvieron una extraordinaria interrelación.
Ello no impidió que en las tres bandas existieran autoridades que, según el talante de la época, exaltaran o prohibieran la música, elogiando o censurando a músicos y poetas.
La España Medieval
 La Edad Media jugó un papel definitivo en la formación de España. Durante esta época la Península fue el lugar donde convivieron, pacíficamente unas veces, en fuerte confrontación otras, personas que practicaban las tres grandes religiones monoteístas: Judíos, Moros y Cristianos.
Las religiones cristiana y hebrea se asientan simultáneamente con la primera evangelización y la diáspora judía antes del siglo IV. La entrada de la religión islámica tiene por fecha el año 711. Es entonces cuando comienza la pugna entre las hegemonías políticas: la islámica dominante hasta el siglo XI, y la de los pequeños reinos cristianos: Castilla y León, Navarra, Aragón y Portugal, que no tomarán preeminencia hasta la segunda mitad del siglo XIII, con las conquistas de Valencia, Murcia y casi toda Andalucía. 
El elemento hebreo se instala con mayor o menor fortuna en uno y otro lado de la frontera entre musulmanes y cristianos. Integrados inicialmente en tierra islámica, a partir del siglo XII con el rigorismo almohade, los judíos toman un frágil equilibrio en las tierras de cristianos con la protección de los reyes, siendo la ciudad de Toledo el modelo de convivencia entre los miembros de las tres religiones. 
La práctica musical
La cultura y en especial la música es practicada indistintamente por las diferentes clases sociales de los tres pueblos. Según la idiosincracia de las costumbres se pueden distinguir elementos específicos en la música religioso-litúrgica de cada una de las comunidades de creyentes.
Más cercanas entre sí están las músicas cortesanas y populares, que se ejercen mutua influencia, según sea dominante o recesiva la potencia cultural de cada lugar.
Se puede trazar una malla de espacios que albergaron la música con los elementos propios de cada sociedad, entremezclando los conceptos: religioso, cortesano y popular, con judíos, moros y cristianos.
Así se pueden diferenciar:
Sinagoga/Palacio/Patio/Sefardí/Judío converso
Mezquita/Alcázar/Jardín/Muladí/Mudéjar/Morisco 
Iglesia/Castillo/Plaza/Mozárabe/Franco (Europeo)

Sunday, September 8, 2013

Apocalypse Now - Francis Ford Coppola

Few movies have generated an opinion as unanimous as Apocalypse Now: everybody loves this movies, but few people really know why. Anti-war people like Apocalypse Now because they think it has an anti-war message, while other people think its plot is basically a glorification of violence. In fact, Apocalypse Now is an adaptation of Joseph Conrad's Heart of Darkness. It is unclear what is Coppola's intended message with this movie, but I'd like to think that he's only trying to portray war "as it is": soldiers executing orders and just trying to go back home. Remarkably, international politics is mostly absent in the original movie (the 2001 Redux does include discussions on politics and colonialism).

Another remarkable thing of Apocalypse Now is its music: The Doors, the Rolling Stones and Wagner are the main stars.

I recommend Apocalypse Now because it's become a cultural icon, but I have to acknowledge that I still haven't digested it; I will probably have to watch it 2 or 3 times before I get the entire message. The "first act" is great, mixing Catch-22 like scenes with dark humor and (at the time) extremely violent scenes, all of which result in an excellent portrait of the ridiculousness of war. The "second act" is, I think, a failed psychological thriller: we still see an photographer (thoday, he'd be an NGO-kind-of guy) gone mad worshipping a serial killer, but there are some redundant silences and scenes.


Thursday, September 5, 2013

Entre Deux Rives - Sandra Bessis

Sandra Bessis est une chanteuse specialisée en chants séfarades et de la Méditerranée. Elle reconnue au Monde entier. Entre Deux Rives est un album enregistré en public à la synagogue de Carpentras, au Festival des Musiques Juives, et à la Casa de la memoria à Séville entre 2004 et 2005. Accompagnée par Anello Capuano à l'oud et à la mandoline, et par Rachid Brahim-Djelloul au violon, Mme. Bessis interprète des chansons séfarades traditionnelles recueillies au long de la Méditerranée avec un simplicité très élégante.

La meilleure chanson de l'album est "Ya ghosn." Il est pitoyable qu'on ne trouve pas de vidéos ou de télécharges sur l'Internet. D'autres chansons sont très bien interpretés aussi, avec des reminiscences arabes qui nous rappelent qu'à la Méditerranée tout le Monde est le produit d'un mélange millénaire. Comme Arkul, Mme. Bessis chante "Buena Semana". Je voudrais inviter le lecteur à comparer les deux interpretations pour vraiment apprécier la vitalité de la musique séfarade aujourd'hui.

*****

"Les chants séfarades courent d'une rive à l'autre de la Méditerrannée, croisant sur leur route la musique arabo-andalouse, les ballades et les danses des noces balkaniques, et se souviennent des temps de la Reconquête chrétienne en Espagne. Ils marient toutes les sonorités de cet Orient si proche, oû se sont mêlés et succédés Grecs et Latins, juifs, chrétiens et musulmans, Berbères, Arabes et Ottomans, et tous ceux qui sont passés par là, témoignant d'une histoire extraordinaire d'exil et de fidélité, longue de près de cinq siècles. Tout au long de cette traversée du temps et de l'espace, depuis l'Espagne médiévale, les voix des femmes et des hommes ont permis qu'ils se perpétuent, la mère au creux de l'oreille de sa fille, de communauté en communauté, dénouant et renouant, recomposant, patiemment et infiniment, les fils de la mémoire et de la nostalgie.

"Tanger et Salonique, Istambul et Andrinople, Tétouan et Sarajevo, là où le soleil cogne, comme là-bas, ce pays qu'il a fallu quitter parce que les rois l'avaient décidé ainsi. L'Espagne s'éloigne, l'Andalousie est perdue et les siècles passent, loin de Sefarad. C'est l'éternelle histoire des exilés, hier fuyant l'Espagne, aujourd'hui laissant derrière eux la terre de leurs ancêtres rendue infertile par la guerre, la misère, toutes les déroutes de l'Histoire. C'est le dernier soupir du Maure, Boabdil contemplant une fois encore les murailles de l'Alhambra définitivement perdue. Prince ou gueux, c'est toujours la même nostalgie, et les mêmes trésors qui défient le temps: le goût des épices et des aromates, la langue, le parfum des jasmins et de l'oranger, le rythme de la danse et la mélodie des antiques complaintes. Il reste toujours la poésie, la musique, les chansons qui disent l'amour, bercent les enfants au berceau, rythment l'année, les joies, les fêtes et les deuils.

"Les femmes méditerranéennes sont les gardiennes de la tradition. Elles ne savent pas lire, ou rarement, elles restent cantonnées à la sphère domestique, elles n'ont pas droit au vent du large. Alors elles chantent, dans cette langue qui raconte une histoire du temps passé et qui est aussi celle de leur quotidien, elles chantent les histoires incroyables que leur mère leur a chantées, que leur grand-mère a recueilli de la bouche de sa propre mère... Elles sont la mémoire, elles sont les livres qui racontent toute la vie, elles sont le vent du large.

"Parfois aussi, il faut être léger. Alors elles chantent des recettes de cuisine, les multiples facons de cuisiner l'aubergine, par exemple... Et puis il faut supporter la belle-mère, toujours là, à surveiller le couple... Et prévenir sa fille aussi: 'L'amour est trompeur. Aujourd'hui il te séduit. Demain il te rendra malheureuse, moi aussi je suis passée par là! Prends garde, ma douce fille!' Mille recommandations n'ont jamais rendu sages les jeunes amoureuses, mas on n'oublie pas la voix de sa mère, ni le paroles qui nous ont bercées... Ya oummi ya oummi soutek deimen i ghanni... (Ma mère, ma mère, ta voix chante toujours...)

Ce CD, enregistré en public, est une promenade, une divagation dans cet univers musical, tel qu'il résonne pour nous, ici et maintenant. Laisser à celui qui écoute l'espace pour rêver, m'embarquer avec lui dans une histoire, dans les mélismes d'une mélodie, dans les développement d'une romance, dans l'introduction méditative du 'oud ou l'invitation à la danse du violon.

-Sandra Bessis

North of the Rio Grande - Edward Simmen

Ed Simmen belongs to that sort of Texans that is about to disappear: he is a person who tries to build a bridge between Mexico and the United States instead of pretending that Texas is unique in the Universe. The highest points in Ed's academic career were North of the Rio Grande, a compilation of short stories written by Mexican-Americans in the United States, and Gringos in Mexico, which simlarly collects stories written by Americans living in Mexico. 

I will not talk about Gringos in Mexico here. Maybe I will do it someday. I will only let the reader know that, while Gringos in Mexico includes some "big names" like Kerouac or Jack London, the only professional writer included in North of the Rio Grande is Stephen Crane, who is not even  Mexican-American but happens to be one of the first American writers to use Mexican characters. The difference between Gringos in Mexico and North of the Rio Grande is evident: at the time both books were published (1980's), Americans saw Mexico is a friendly exotic place next door where it was possible to do stupid things without fearing any legal consequences; for Mexicans -particularly poor Mexicans-, the United States was the promise of a better life. The possibilities of having a young promising American writer going to Mexico were as high as the possibilities of having a young Mexican manual worker crossing the border in the opposite direction. American artists used to go to Mexico, whereas Mexican workers used to go to the U.S.; the quality of the artistic outputs produced by each community was obviously different.

And that's probably the main feature of North of the Rio Grande: the book is fantastic as a documentary but fails miserably as an artistic product. With few exceptions, the stories contained in North of the Rio Grande are full of clichés and, probably worse, are actually quite amateurish. The classical image of a drunk sleepy Mexican laid on a cactus and wearing a big hat and a sarape leaving everything for mañana permeats most if not all of the stories the book. Most of the authors presented in the book would be completely forgotten if not for Ed's efforts to go to obscure university quarterlies trying to find chicano writers regardless of their quality as writers. 

Try googling names like María Cristina Mena, Sandra Cisneros, or Carlos Flores. The first entries will probably be Facebook or LinkedIn pages of some random people, but at one point, these three names belonged to leaders of opinion and somewhat recognized writers among the Mexican-American community. In fact, the profiles of the authors is probably more interesting than their stories: sons of illegal immigrants who had to work as handimen and study at the same time, went to college, and eventuallly got a job as a community college professor; not bad for a first generation immigrant. The problem is that such a background hardly allows for producing high quality literature. In a way, North of the Rio Grande reminds us that there are too many people who want to write and to few people who want to read.

Despite being composed of mostly boring stories, I would still like to recommend North of the Rio Grande. It has a lot of value as a historic document: also, as the Mexican-American communities integrate into the mainstream American community, terms like chicano or people like Cesar Chavez will be part of the past. And it's always more fun to learn about the past using novels and short stories than History books. 


Monday, September 2, 2013

Yo m'enamori - Sylvie Cohen & François Cotinaud

Sax et piano. Parfois le plus simple est le plus complet, et Yo m'enamori en temoigne. Yo m'enamori est un album fantastique, qui prend des chansons séfarades en les modifiant pour faire du jazz moderne. Des chansons comme "Por la tu puerta yo pasi" sont transformées et reinventées d'un façon très satisfaisante. Dans ce papierJessica Roda, professeur universitaire à l'Université du Québec à Montreal utilise Yo m'enamori pour expliquer le processus de fusion de la musique séfarade avec les rythmes modernes. Malheureusement, il paraît que cet album n'est pas facilement trouvable...

En tout cas, voilà ce que dit le booklet:

La communauté juive hispanique, chassée d'Espagne en 1492 et du Portugal en 1506 par l'Inquisition, s'est réfugiée, puis installée dans tout l'Empire Ottoman, notament en Grèce, en Turquie, dans les Balkans, puis en Haute-Galilée, aux Pays-Bas, en Italie, en France, au Maroc, ainsi qu'en Amérique.
La langue judéo-espagnole, mélange d'espagnol, d'espagnol médiéval et d'hébraïsmes, a emprunté, tout comme la musique, aux cultures grecque, turque, bulgare, roumaine, yougoslave et arabe qu'elle a rencontrées au cours des siècles.
Les poèmes, qui évoquent presque toujours l'amour, sont empreints d'un lyrisme singuiler, nostalgique et passionnel, et ont donné des mélodies très populaires dans la communauté juive judéo-espagnole. Les multiples interprétations et transformations témoignent de la vivacité d'une culture qui ne cesse de se déplacer en Méditerrannée, et d'épouser des éléments d'autres cultures musicales.
Les poèmes sont chantées, accompagnés par un luth, un violon ou un cymbalium, et des percussions (derbouka, zarb, bendir).
Pérenniser la tradition, mais en la laissant vivre, évoluer, se transformer: c'est dans cet esprit que Sylvie Cohen et Francois Cotinaud ont adapté ce répertoire à leur instrumentarium occidental (saxophone et piano), ent le réarrangeant, et en aménageant des espaces d'improvisations ou de variations.
"Les romanceros, fil d'Ariane de la culture judéo-espagnole, traversent le temps et l'espace. Métamorphosés par Sylvie et Francois, c'est à ce jour un trait d'union entre le générations." (Angèle Saül).

Elysium - Neill Blomkamp

I've read mixed reviews of Elysium. Though I personally liked the movie, one can make the case that it oversold its political agenda. The special effects are OK.

The only negative comment I can make about Elysium is the disconnect between the plea for a more solidary World on immigration, health care, human rights, and democracy, and the insipidity of Max, the hero. The problem is that Max is not trying to save the World but does it almost by accident; the fundamental problem of the Elysium dystpia i shta nobody is trying to do anything to improve the living conditions of the peoople living in Earth. Max just wants to heal himself, and when he realizes he has no hope that he decides to save the life of his friend's daughter. The guys who get health care for the people on Earth are Max's friends. Max really couldn't care less.

Elysium could have been a movie about resistance, about the left-behinds trying to take back what they could legitimately consider as theirs. Instead, we are offered a pathetic version of the Mexican-American Dream: a guy trying to go by himself to the place where the rich guys live. Blomkamp has reportedly said that Elysium is an allegory of life on Earth today. If he really thinks that collective action to improve the World is impossible, and that the only way things can improve is through fortunate coincidences, then he's probably more part of the problem than he realizes.