Saturday, August 31, 2013

Taxi Driver - Martin Scorsese

Taxi Driver is one of the most revered movies in the United States. Winner of the Palme d'Or, and selected to be preserved as in the U.S. National Film Registry in 1994, Taxi Driver has been interpreted mostly as a movie about loneliness. In a way, Taxi Driver is also the father (or mother?) of movies like Kill Bill, Sin City, and basically any other movie about antiheros you can think about.

I recommend Taxi Driver because of its artistic value, but also because it shows, like most of the movies I talk about in this blog, how the World has changed in such a short period of time (Taxi Driver was filmed in 1976!). Here are some examples:
Had it been filmed after 9/11, Taxi Driver would have spent most of the time showing Travis Bickle planning how to circumvent the security of Senator Palantine. Instead, we see his psychological evolution from a lonely-but-sensitive-guy to a crazy vigilante.
The end of the movie would be totally different today. In the 70's people thought that redemption was a possibility in the secular World. Today, only believers in the after-life believe in redemption. The rest of humanity knows that redemption doesn't actually exist.
There is no chance in hell that a 13-year-old girl would be representing the role of a... 13-year-old girl in a R-rated movie today. Jodie Foster's particiipation in Taxi Driver is the equivalent of Nabokov's Lolita in the movies.
Taxi Driver also shows what a great actor Robert de Niro was. Why he decided to pass from doing cool stuff like Taxi Driver to Meet the Fockers (and Little Fockers) is one of the biggest mysteries to me. What a way to destroy a legacy...

Wednesday, August 28, 2013

Erransa - Sandra Hurtado-Rós & Véronique Condesse-Bonnevide

Ce que Sandra Hurtado-Rós fait dans Erransa est vraiement magnifique du point de vue technique: l'intonation est parfaite, et elle arrive a maintenir des notes musicales à des niveaux très elevés. Mais personnellement, je trouve que le timbre de sa voix est un peu trop aiguë. Il y aura, bien sûr, d'autres spectateurs qui vont aimer son travail.

En général, Erransa est un album acceptable sauf pour le morceau "Adio tu no sos mas mio", qui n'est rien qu'une adaptation du classique "Adio Kerida". Chanter "Adio Kerida" est, paraît-il, une condition indispensable pour devenir un star de la musique séfarade, comme ce blog l'a souligné ici et ici.

Erransa présente aussi une interpetation interessante de "Yo la queria mas que mi vida", chanson popularisée par le groupe Mocedades il y a très très longtemps...

Et voilà ce que Erransa dit sur Erransa:

De l'Occitanie à l'Andalousie, les chansons séfarades ont traversé les siècles par le biais de la tradition orale. Ces ballades sont des monodies issues de la musique populaire en vogue dans les communautés séfarades installées en Espagne depui l'Ancien Testament et jusqu'en 1492, époque de la chute de Grenade et du début de la Reconquista. Ces chants, qui ont été colportés en Méditerranée, Turquie, Maroc, Bosnie, Grèce ou Bulgarie, sont en Castillan ancien. Ils continuent, depuis, à chanter le quotidien d'un peuple déraciné. 

Sunday, August 25, 2013

Il Bastidor - Arkul

Il Bastidor es el mejor disco que he escuchado en muchísimo tiempo. Combinando música a capela y arreglos minimalistas, Arkul, un dueto de Bosnia, interpreta canciones sefarditas. Aunque al inicio parece que el disco empieza un poco flojo con "Anderleto",  para la quinta canción, "Pesah ala mano", el escucha ya está totalmente sumergido en una atmósfera fascinante. Como muchos discos de música sefardí, Il Bastidor incluye "Adio Kerida", un clásico. No es la mejor interpretación de este tema; de hecho, la versión de Yasmin Levy, de cuyo disco Mano suave hablamos hace  unos días, es mucho mejor. Ya sea para escuchar  con atención o como ruido de fondo, Il Bastidor es un disco excelente musicalmente hablando y tremendamente bien producido.  La mejor canción es "Buena semana", de la cual presentamos un video a continuación:

Este disco tiene, como casi todo, una dimensión social: Vladimir Mickovic y Atilla Aksoj, los dos miembros de Arkul son miembros de la comunidad sefardí en Bosnia. Como sucedió con todas las comunidades sefardíes que se establecieron a lo largo y ancho del Mediterráneo tras su expulsión de España, la comunidad de Bosnia conservó relativamente intacto el ladino. Es realmente conmovedor pensar cómo, hasta el establecimiento del Estado de Israel, las comunidades judías expulsadas de España conservaron una versión de la lengua del país que los expulsó. A pesar de que España se portó como madrastra con los judíos, éstos la siguieron viendo como una madre...

Y ahora, Il Bastidor según su propio librito:

Our Arkuli (amphorae) tell stories about everything Sephardic Jews went throug during their exodus and their journeys on the Mediterranean, on their way to the 'better' lands. These receptacles are filled with meolides and sounds forgotten during the long trips of the people who for decades wandered from sea to sea, meeting different peoples, learning customs and songs. The sounds of Arkuli today are like stories from the past that could teach what we need the most now -the will to meet others and curiosity about them.
In our narro'minded time, the time of egotistic and narcissistic individualism, we want to turn the 'Other' into one of 'our own'. It is a sad contrast to the times we are trying to discover and sing in the forgotten Sephardic song.
In these meetings with the 'Other' at the seashores, the sholes that begot great civilisations, the stories, the myths, melodies, sounds and songs, interlaced with no fear.
It wasn't always easy.
Contact with the 'other', with the unknown, excites us constantly but it frightens some too. At first there was fear, but after some time it disappeared, and gave place to curiosity. The desire to get to know those we feared. The ones we live close to, whom we encountered by chance. Like small children we'd go closer to the unknown, trying to inspect it, to understand it. Curiosity about the unknown gave birth to Forbidden Love. That love was breaking chains, it was like a curious child. The children of the forbidden love today are still looking in the distance, their glance riveting the open Sea. The journeys continued, and the forbidden loves but turned into happy marriages, the marriages of the just recognized differences. Il bastidor protected the courageous newlyweds in their decision to break from parental and tribal proscriptions.
There is no dawn at the sea. A clear light wakes us up suddenly, as suddenly as it appeared and lit the surface of the high sea. Journey is salvation. Sailing is a journey too. Egypt is not far, and the sea is heavy. We are banished again, floating the sea surfaces.
The shores appear from time to time, they are salvation. The Pessah came just when the great coast appeared.
There is no life without love. Love during the voyages is the anchor for the monads. It makes easier to go through the long days, and makes us forget all the troubles easier and quicker. The good days remain. Good weeks, months, and, with children, good years.
Travellers, nomads, those looking for a 'better' land for themselves and their own, for peace and the place where only stories would remind them of their long-gone, accomplished journey towards better and safer seaports, those are the peoople who know farewills, unfulfilled loves and wishes. On the eyes and lips of travellers often stays a bitter and heavy tast of the words 'Good by my loved one'. The perhaps never touched lips, the unseen eyes bid farewell because the journey is ahead of us. It's waiting.
The long, unexpectedly long journey must end sometimes. In that new place, which someday perhaps will too bee ours, mine, we have to meet its inhabitants. Offer them our stories, our bread, our song. A song is universal communicative gossamer, understood by all, it won't hurt, but it will entangle you into stories and memories of times and journeys, meetings and acquaintances. Let's call it the Feast of Fruitfulness of the human mind and its wish to meet others, the wish for the shared happiness of peoople, something we all wish for and hope for.
'Who's there at the window?' There's a song coming from the window, a song I know! I don't know the words, but I reconize the melody. It seems like it's coming from one of ours, the song we sang at our journey song, a long journey. Madam Gaspar sings it, yes, the madam who before us made that journey, the one of encounters and recognition. I don't want to talk about her anymore, a song on this album will tell you much more about her. Perhaps it will sound familiar to you too, as a spirit of the times, long gone, the times that aren't going to die. Another day is behind us, a day in the succession of days since we arrived on this seaport. Is this the 'better land'? Maybe more, about that tomorrow. Now it's time to rest. Sleep, sleep...
-Husein Orucevic
Sephardic Jews first moved to the region of today's Bosnia and Herzegovina somewhere between the end of the 15th and during the 16th century, when, during the dark times of the Inquisition they were -ironically in 1492- banned from Spain. Despite the unimaginable trials and challenges in the centuries that followed, the Jewish commuinty -the Sephardim and especially later, the Ashkenazi's (or Eastern European Jews) have not only survived but, almost during the whole period, both exercised a huge cultural influence on the autochton Slavic population, itself divided between the three dominant religions, and the culture as a whole.
The Sephardim spoke Ladino -an old Spanish dialect interspersed with Hebrew, Arabic and Aramaic. This particular dialect found an ideal milieu within the South Slavic language that itself underwent a number of radical inguistic influences, and was also a language that thrived in such eclecticism.
During the following centuries the Ladino dialect had of course picked up some Slavic words and terms, but still demonstrated a strong resilience to change -to which testifies an immediate 'archaic' feel, experienced by almost every listener exposed to the language today.
FCurrently, there are still around 500 speakers of Ladino in Bosnia and Herzegovina, and even a small revival of the languag has been noticed -largely owing to the music.
-Djordje Matic

Friday, August 23, 2013

Heima - Sigur Rós

Heima means "at home" in Icelandic, and is the name of a 2-disc documentary DVD by Sigur Rós. Heima is a documentary about the band's tour around Iceland during the summer of 2006. The first disc presents a documentary showing some of the songs performed during the tour and some comments by the band members. This disc also contains a commentary by the band's manager. The second disc features 25 songs performed during the tour. Overall, Heima lasts a little bit more than 4 hours, which is probably a lot for the regular person, even in separate sessions.

Fans don't need any advice about Heima: the film was released 6 years ago, and the band made a HD version available for free in their website. For people who are just discovering Sigur Rós, or for those who just like their material without being groupies, my recommendation is to take a look at the first DVD. If you can digest it, then give the second DVD a shot, maybe one week later: too much Sigur Rós without breaks may cause severe depression or intense periods of introversion.

Overall, the quality of the DVD is great, but the first one is simply majestic and is probably the best promotion for Iceland as a touristic destination. If you need to be persuaded to go to Iceland, don't go to the Government's website; just watch this DVD instead. Note that the concerts were performed during the summer: the fact that the people who appear in the video were wearing winter clothes should not be overlooked.

Heima was recorded before the implosion of Iceland as a financial hub in 2008. At the time the video was recorded, the main worry of the band members was the boom of the aluminum industry. In fact, one of their performances was a protest concert against it. Before 2008, Europeans cared about the environment and all that. With the collapse of their economies, popular anger turned against the bankers, not without reason. Sigur Rós' worries about aluminum instead of folly finance just show how we all are influenced by the media and the sexy cause to defend of the moment, even rock-stars. There is nothing wrong with that, but it's something we all have to keep in mind. Note that I'm not defending the aluminum industry or ecological destruction as a means to achieve prosperity: I am pretty much on the side of Sigur Rós and their fans on this, with the limited information I have. What I'm trying to say is that, by focusing on issues that get headlines, we are probably neglecting the issues that eventually sink down societies.

Overall, Heima is a great DVD. You can see the first disc either in the band's website (see link above) or here:

Wednesday, August 21, 2013

Mano Suave - Yasmin Levy

"These songs represent something of a return to my Ladino roots. This beautiful tradition, which traces its roots back over many centuries, remains with us today thanks to the mothers who sang and taught these songs to their daughters in the home, and to the fathers who sang some of these songs in the synagogue and in the process taught them to their sons. A number of these songs have strong Turkish influences where the continuity is defined more by the music rather than the verses. The lyrics therefore, may at times seem rather quirky."


En las siguientes semanas escribiré sobre música sefardí. Como suele ocurrir con todo lo que tiene que ver con Iberoamérica, mientras la lengua ladina y su cultura perecen sin remedio, en Francia y en Estados Unidos crece el interés por ella. Me gustaría creer que eso cambiará eventualmente y el ladino, ese hermano apestado del castellano, el catalán, el gallego, y el euskera, resurgirá, pero no será así: en España ya tienen demasiados problemas con sus idiomas vivos como para todavía preocuparse de los muertos, y en lo que hoy se le conoce como América Latina basta decir que algo tiene que ver con España para que de inmediato se le mire con recelo y se le condene al ostracismo.  Por otra parte, en Israel, por muchas razones que todos sabemos, y otras que no sabemos, la tendencia es a revivir el hebreo y dejar de lado al ladino y, en menor medida, al ashkenazi.

La razón por la que estoy tan seguro de la muerte del ladino es la misma proliferación de música intentando recuperar y promover la lengua. Todo será en vano Si algo sabemos los latinoamericanos es que la proliferación de obras (musicales, pictóricas, etc.)  "celebrando" la identidad de culturas que uno cree muertas es signo inequívoco de que la cultura en cuestión está más muerta que viva. 

El ladino morirá, como han muerto tantas y tantas lenguas a lo largo de la historia del mundo. Será una muerte definitiva: a diferencia del deceso del latín o de las lenguas de algunas culturas prehispánicas, que en su muerte dieron vida a un sinfín de variedad de lenguas y de riqueza lingüística, el ladino será un árbol estéril. Será, también, una muerte triste: con el ladino, una parte importante de la identidad del Mediterráneo pasará, definitvamente, al rincón de la Historia. 

Nos quedarán los discos, las ediciones especiales de libros viejísimos desconocidos, las exposiciones de museos, y la restauración de algún manuscrito que habrá pasado los últimos 800 años pudriéndose. Si no fuera por el antisemitismo que aún vive en España y en sus antiguas colonias, podría presagiar que el ladino se convertirá en bandera política cursi.

Antes de que todo eso pase, yo quisiera reseñar obras (música en su mayoría) de artistas reivindicando la tradición oral ladina. Mano Suave de Yasmin Levy es el primero en la lista. Las pistas que componen este disco son, por lo general, muy buenas. Si acaso, "Odecha" es un poco larga y "Por la mía", aunque brillante desde un punto de vista musical, desentona un poco con el resto del álbum.

La mezcla de instrumentos de todas partes del mundo, incluída África del Oeste, fluye naturalmente, y la forma en que la voz de la propia Yasmin se convierte en instrumento es simplemente brillante.

Las dos mejores canciones son, a mi parecer, "Una Ora", que es simpatiquísima en un contexto moderno (la kulevra de tu ermana / ah, no mos desha, ah! no mos desha / azer el amor), y "Una Noche Más", composición en español de la propia Levy.

Monday, August 19, 2013

North by Northwest - Alfred Hitchcock

Kafka, James Bond, Mad Men, and the Cold War in one single movie. If that's not enoug to convince you to watch North by Northwest, Cary Grant and Eva Marie Saint will also help you understand how sexuality was seen and lived in the late fifties.

Friday, August 16, 2013

Clemens Deus Artifex - La Main Harmonique et Frédéric Bétous

Du petit livre:

Éléments musicologiques:
Les pièces polyphoniques de l'ordinaire de la messe sont tirées des mansucrits d'Apt et d'Ivrée édités par G. Gattin et F. Facchin (Polyphonic music of the 14th century). Le propre du jour de l'assomption est interprété d'après le manuscrit Lat. 9441 (Missel de Notre Dame de Paris), ainsi que du Lat. 17311 (Missel de Cambrai).
Nous avoins choisi une prononciation restituée du latin. Le principe ice est d'adopter pour le latin la même prononciation que pour la langue vernaculaire, q'on appelle aux XIVe et XV siècles le moyen francais, intermédier entre la langue d'oïl et les débuts du francais classique. (Pour de plus amples renseignements voir les travaux d'Olivier Bettens sur le site

La musique à la cour du pape Clément VI (1432-1352)
Si la cour des papes d'Avignon est l'un des hauts lieux de la vie musicale en Occident au XIVe siècle, c'est d'abord parce qu'au Moyen Age, la musique ne se distingue guère de la liturgie. Les messes, les heures et l'ensemble des célébrations liturgiques cont accompagnées par le chant, dont la fonction est de souligner et d'embellir le verbe de Dieu. À la cour pontificale des années 1300 comme partout en Occident, les monodies du plain-chant, ce que nous désignons comme "chant grégorien", sont le fondement de la pratique musicale. Cependant, cette pratique, dont il ne faut pas oublier qu'elle est la normbe liturgique et le reste jusqu'à la fin du XVIII siècle, s'accompagne depuis le milieu du XIIe siècle de chants polyphoniques dans la complexité est croissante. L'essor de la polyphonie suscite néanmoins les critiques des autorités ecclésiastiques, qui considèrent que l'intelligibilité du texte est progressivement mise en cause par les raffinements de la musique. Cette opposition culmine ave la décrétale Docta sanctorum publiée par le pape Jean XXII (1316-1334), qui tente de limiter l'emploi de la polyphonie dans la liturgie. Au moment même où le pape s'érige contre les nouvelles pratiques musicales, il est aussi le dédicataire d'un motet polyphonique dont l'écriture rappelle aussi bien les parties polyphoniques des messes des grandes cathédrales de Flandres ou du nord de la France que les motets qui circulent à la cour de France ou à celle de Naples. À Avignon même, dans les années 1320, certains grands cardinaux commencent à recruter pour leurs chapelles des chantres septentrionaux formés à la pratique de cette musique qu'on appelle aujourd'hui conventionnellement ars nova, et qui s'appuie sur de nouveaux procédés d'écriture permettant de noter la hauteur et la durée des sons avec toujours plus de précision. En 1334, le pape Bênoit XII réforme la chapelle pontificale et nomme en 1336 le premier maître de chapelle, Pierre Sintier, qui prend en charge la vie musicale, liturgique mais aussi matérielle de l'ensemble formé par les douze chantres.
Lorsqu'il monte sur le trône de Pierre, en 1342, Clément VI se trouve donc au coeur d'un univers musical et liturgique en plein renouvellement, au sein duquel le plain-chant traditionnel se voit désormais occasionnellement orné d'une musique polyphonique savante. Le nouveau pape encourage de manière décisive l'essor de la polyphonie en orientant définitivement le recrutement des chantres vers la France du nord et les Flandres. La chapelle d'Avignon devient dans les années 1340 l'un des lieux les plus brillants de la vie musicale occidentale, et des professionnels aguerris à la liturgie et à la polyphonie dans les grandes maîtrises des cathédrales septentrionales y mênent désormais de véritables carrières culturales, recevant des gages quotidiens, mais aussi des dons en nature et des bénéfices ecclésiastiques. Cet engouement nouveau fait peu à peu de ces clerc spécialisés de véritables artistes qui se détachent du monde clérical dans lequel ils ont été formés. Le prestige de la chapelle pontificale d'Avignon à partir de Clément VI est tel que de nombreux princes tentent ensuite de recruter les chantres du pape, comme le roi d'Aragon en 1353, puis, en 1394, le duc de Bourgogne. Pendant toute la seconde moitié du XIVe siècle, sous l'impulsion de Clément VI, la chapelle d'Avignon est le centre de la vie musicale en Occident, et il faut le Grand Schisme et l'ascension de la chapelle du duc de Bourgogne pour qu'elle souffre la comparaison.
Clément VI est aussi le souverain qui dote la chapelle d'un espace prestigieux, propre à la performance musicale de haut niveau, la "Grande Chapelle" du Palais-Neuf. On se rappelle que le terme "chapelle" est en effet polysémique, et qu'il désigne à la fois un groupe d'hommes responsables de la liturgie -et désormais de la musique-, un ensemble d'objets et de reliques, et un lieu. Lorsque Clément VI entreprend d'agrandir le palais des papes pour lui donner l'allure qu'il garde encore aujourd'hui, il projette de faire réaliser, au premier étage de l'aile sud, une vaste chapelle palatine de 52 mètres de long sur 16 mètres de large, dont les voûtes culminent à près de 20 mètres, et à laquelle on accède par un escalier monumental et un portail ouvragé. Il dote richement la chapelle, dont on connaît l'inventaire, d'une centaine d'objets, de tissus et de manuscrits destinés à assurer son fonctionnement quotidien, et d'un budget placé sous la responsabilité du maître de chapelle.
Le développement de la chapelle pontificale de Clément VI s'inscrit dans une politique de représentation et de prestige. Le pape, qui est lui-même un savant de très haut niveau, ancient professeur de théologie à l'université de Paris, le prédicateur le plus réputé de son temps, encourage et soutient non seulement les musiciens, mais aussi les peintres ou les lettrés. Tandis que le poète Pétrarque ou le peintre Simone Martini séjournent sur les bords du Rhône, liés aux grands cardinaux mécènes italiens, Clément VI confie la décoration du palais des papes à Matteo Giovannetti et à son équipe. En moins de dix ans, le palais d'Avignon mais aussi sa résidence d'été, a Villeneuve-lès-Avignon, s'ornent de fresques dans le goût de la pittura nova qui se développe en Toscane, au même moment où Pierre de Besse, confesseur du pape, supervise la commande de manuscrits pour la bibliothèque pontificale. Dans ce contexte, le choix de rehausser le plain-chant par l'ars nova n'a rien d'un hasard, ce dont témoignent les manuscrits musicaux conservés. En effet, le répertoire polyphonique de la cour pontificale remonte précisément, en l'état actuel de nos connaissances, au règne de Clément VI, ainsi qu'en témoigne ce disque. C'est à lui qu'on peut rattacher les pièces les plus anciennes du manuscrit de la cathédrale d'Apt #16 bis, qui comporte en particulier un Kyrie tropé commencant par les mots Rex angelorum/Clemens pater, dont on peut penser qu'il était directement destiné au pape. C'est également à Clément VI que renvoie une partie du répertoire noté dans le manuscrit d'Ivea (Bibliotheque Capitulaire #115), comme le Gloria tropé Clemens deus artifex, ou le motet de Philippe de Vitry Petre Clemens/Lugentium succentur, qui sont des compositions jouant avec le nom du pape. Ce répertoire ne s'oppose pas à la pratique du plain-chant mais vient la compléter: à côté de la liturgie célébrant Dieu, se développe une sorte de para-liturgie, dont le faste retentit sur le souverain. La complexité de cette musique fait qu'elle ne peut être exécutée que par des professionnels d'haut niveau; sa maîtrise par la chapelle pontificale est donc une manifestation de puissance de la part d'un pape qui est aussi un prince. Plus encore, la superposition des voix, qui était critiqué par le décrétale de Jean XXII, devient un outil de communication, laissant tantôt émerger des mots clairement intelligibles, comme le nom du pape, et créant le plus souvent un effet d'enchevêtrement montrant à l'auditeur que quelque chose est en train de se dire sans qu'on puisse le saisir -comme une langue d'une nature supérieure, la langue des dieux et des souverains. Ainsi, l'ars nova voulue par Clément VI finit-elle par être emblématique d'une esthétique qui est aussi une politique, inaugurant une nouvelle proximité entre le prince et la musique.

Une oeuvre musicale au service de la politique de Clément VI
En mai 1342 l'archevêque Pierre Roger d'Egletons est élu pape et prend le nom de Clément VI. Sa prise de pouvoir ne fut pas simple: il dût très rapidement se justivier face à ses détracteurs, de la manière la plus ferme qui soit, afin de justivier sa légitimité au sein de la Nova Roma: la cité d'Avignon. Le Saint Empire, à travers son empereur, profite de ce changement de pape pour réitérer son opposition au siège d'Avignon. Le fait qu'il ne reconnaisse pas le pontife est considéré par ce dernier, comme un crime envers sa personne et envers le Christ lui-même. Ainsi, la désobéissance et la trahison font partie des actes considérés comme hérétiques.
Le peuple de Rome, quant à lui, se remet à espérer le retour du pontife dans l'Urbs, sur son siège séculier. Entre la fin de l'année 1342 et le début de l'année 1343, deux délégations romianes viennent successivement demander audience au pape afin de l'année 1343, deux délégations romaines viennent successivement demander audience au pape afin de lui soumettre une pétition (inter alia) du peuple romain lui demandant son retour dans l'Urbs. Tous les efforts se révéleront vains. Le siège s'installera de manière durable en Avignon: Clément VI voulant développer le palais pontifical de Benoît XII devenu inadapté à son gouût pour l'exercice de son pouvoir. Le projet se réalisera à partir de 1344 et se nommera l'Opus Novum.
Le droit de regard du pape sur le pouvoir temporel n'est plus une chose acquise. Dans l'année même de l'élection de Clément VI, Guillaume d'Ockham publie son Breviloquium de principatu tyrannico, également appelé Breviloquium de potastate papae, un réquisitoire contre le pouvoir tyrannique de la papauté qui rejette le principe de théocratie. L'ouvrage est rédigé en 1341-1342. Le plan de l'ouvrage se met en place à partir d'une violente critique de l'Église d'Avignon. Pour le philosophe, le siège de la papauté doit être considéré comme une déformation injustifiée de la véritable Église romaine.
Au même moment, un compositeur déjè illustre, Philippe de Vitry, lui dédie une oeuvre magistrale: le motet Petre Clemens / Lugentium siccentur / Non est inventus. Cette oeuvre est écrite pour trois voix dont deux voix égales et une teneur liturgique issue du verset "Non est similis illi" du graduel du commun d'un confesseur. Une dédicace situe l'oeuvre au alentour du temps de nöel 1342-1343. Cependant, cette oeuvre n'est en aucun cas une simple pièce d'éloge. Elle offre bien plus que cela. D'ailleurs, l'art musical se développe pour devenir sous Clément VI un réel art de rhétorique musical, un ars rhetorica musicalis.
La musique est donc là pour soutenir des actions polituqes, donner une démonstration complémentaire et unique de la légitimité du pouvoir en Avignon par ses capacité singulières à présenter des faits, mettre en relation les voix, les textes littéraires et leurs symboles.
-L'oeuvre et ses sources
La pièce n'existe que dans une seule source complète, le Codex d'Ivrea (Ivrea Biblioteca Capitolare J. IV 115). Cependant cette version date de la fin du XIVe siècle. Un autre manuscrit, le MS. 4195 de la Ostereiche National Bibliothek, recueil de sermons de Pierre Roger (nom de baptême du pape) et de Clément VI, se rpésente comme un livre d'écrits personnels du pape copié, semble-t-il, en Avignon à partir des années 1340. Il contient des sermons et divers écrit "prêchés" en consistoire, sur des thèmes politiques chers à Clément VI, comme la campagne qu'il menait contre Louis de Bavière, le prétendant au trône de l'empire, ou la réponse qu'il fit au peuple de Rome délivré, qui lui demandait le retour dans l'Urbs.
C'est a cet endroit, après le sermon Aperi labia mea (prônant que "là où se trouve le pape trouve Rome", écrit ver la fin de 1342) que se trouvent consignés les deux textes littéraires complets du motet Petre Clemens. Les textes musicaux ne sont pas copiés. Seuls les textes littéraires sont consignés. Pourtant, malgré ce manque sur le plan musical, cette source n'en est pas moins importante car elle renferme le texte inédit du ténor sur l'incipit "Non est [fuit] inventus similis illi". L'intérêt est d'autant plus grand que ce texte de Philippe de Vitry fait partie intégrante d'un livre personnel du pape et montre par conséquent l'importance que le motet pouvait revêtir aux yeux du pontife.
-Le symbolique
La structure poétique est basée sur deux textes écrits en vers décasyllabiques. Vitry utilise principalement des figures de la mythologie et des éléments allégoriques. Le sens, organisé avec finesse, est d'un très haut niveau intellectuel. Les allusions mythologiques sont nombreuses. Pour les auteurs tels que Vitry qui font partie d'un courant pré-humaniste, ces références à la mythologie classique dans l'écriture des textes sont incontournables.
On remarque généralement que pour les motets politiques en relation avec le monde de l'église que les trois voix ont un symbolique par leur propre position sur la partition. Ainsi le triplum (la voix la plus haute), représente le monde du ciel (allusion à la chaire de Saint-Pierre par la citation du graduel). Cette chaire est au coeur de toute la politique de la politique de la papauté d'Avignon. Etant donné que "le siège" de Pierre n'est pas dans la cité, mais est resté à Rome, les détracteurs en profitent pour stipuler que le siège de Clément n'est pas légitime. Vitry ici fait référence à l'office de célébration de cette chaire en citant la pièce grégorienne qui lui est dédiée "Iam bone pastor Petre Clemens accipe".
La voix du milieu, le duplum, représente celle des intermédiaires entre le ciel et la terre et fait référence au pontife Clément VI par le graduel du commun d'un pontife "Ecce sacerdos" et la dédicace "Clemens sextus sanctus factus divinitus". Le ténor, la voix la plus bass quant à elle symbolise le monde de la terre. Elle fait référence par la phrase "Non est inventus similis illi" [il n'existe persone du semblable à toi] au pontife qui est le chef suprême de l'Église sur la terre sans contestation possible. C'est également un rappel de la voix de duplum puisqu'il est issue du texte du graduel du Commun d'un confesseur.
En ce qui concerne le triplum: La première partie du texte traite des origine de notre pontife. Elle débute par le phrase de la dédicase "Petre Clemens tam re quam nomine". Par un jeu de mot Vitry expose le double sens que porte le nome du pontife: Clément de par son nom et clément par ses action. Par la suite, Philippe de Vitry, en bon hagiographe, nous présente le pape Clément protégé et entouré par les divinité grecques. Depuis sa naissance il est destiné à diriger l'Église.
Dans la deuxième partie du texte apparaît une thématique orientée sur la légitimité de Clément VI, assimilé en "Cephas", nom hébraïque de Saint-Pierre. Son pouvoir est universel, et dépasse les rancoeurs que certains entretiennent envers le siège d'Avignon. On peut y voir évidemment une insinuation de la phrase "Ibi Papa ubi Roma" (Là où se trouve le pape se trouve Rome), vu plus haut.
La suite du texte évoque le pouvoir de Clément, et plus précisément les orientations temporelles de sa politique comme monarque, prince, et serviteur. Encore une fois cette gradation dans la désignation de son pouvoir montre son pouvoir multiple, qu'il assume sur tous les fronts: des hautes sphères politiques au petit peuple. Tout ceci dans le contexte historique chargé de la Guerre de Cent Ans et de la mutation flagrante dans la considération du pouvoir papal, désignée par Vitry dans l'expression: "..., mais d'un monde malade, Serviteur, mais serviteur de délirants...". Cette expression très forte désignant les fous, les délirant, montre bien que les Puissant ont perdu la raison, ainsi que l'ordre des choses. Pour Clément, et pour Vitry son porte-parole, le pape est au-dessus de tout et tous ceux qui n'acceptent pas avec évidence cette règle de l'Église ne peuvent être considérés comme sains d'esprit.
Pour le Duplum: le texte de cette partie est intimement lié à celui du Triplum. Nous retrouvons tout d'abord une dédicace importante stipulant l'élection de Clément: Clemens sext[a] sanctus [factus] divinitus. Il est Clément le sixième, avec l'approbation de Dieu. Son pouvoir est indiscutable. Pour asseoir cela, il situe cette phrase au sixièmevers du poème, endroit hautement stratégique. Au vers suivant, Clément est assimilé à la figure de l'Apollon de Cirrha, tueur du serpent Python, modèle de vertu, mais également Dieu des arts et plus particulièrement de la musique. Dans la suite du texte, Vitry décrit la personne du pape sous un jour inhabituel pour l'époque: comme un prince quasi laïque, le pontife côtoyant de près les arts maîtrisant parfaitement l'art du discours musical. Par la suite Vitry adresse au pontife des souhaits et des recommandation. Clément est présenté comme un nouveau Saint-Pierre qui n'abandonnera pas les préceptes de l'Église et du Christ. Enfin nous parvenons au coeur de la dédicace: Tu Clemens es et Clemens diseris / Tu es clément et appelé Clément.
Cette phrase fait le lien avec le Triplum: Petre Clemens, tam re quam nomine que nous avons vu plus haut. En rendant hommage au pape, Vitry s'implique directement au propos du poème. Il se décrit comme un chantre qui, par sa musique, chante les louanges de son pontife. Le musicien, homme simple mortel, conclut l'oeuvre en désignant Clément VI comme seul légitime.

Wednesday, August 14, 2013

Waiting for Spring - Interzone

Tous les jours, on recoit des nouvelles de Syrie pires que ce qu'on a entendu la veille. Waiting for Spring, la troisième production d'Interzone, est comme un baume, une profession de foi.

Waiting for Spring est, contrairement aux deux premières productions du groupe, un oeuvre calme fait pour faire une pause, écouter, et réflechir sur tout et rien....

Interzone, le troisième jour de notre histoire, dans notre Histoire. Entre tristesse et joie, pause et retrouvailles, contemplation et élan. Notre musique ne confirme pas le mode ou l'échelle, mais s'en éloigne pour mieux y revenir. Ice le mode musical se présente comme recherche d'une nouvelle cartographie, imaginaire. Ou, pour un exilé, comme la patrie lointaine, entrevue à travers le brouillard de la mémoire. Enfin les rythmes sont multiples, enlacés, entrecroisés, en une polyrythmie évocatrice de mouvement perpétuel.

1- Sur la route de Homs: polyrythmie
Homs est la première ville Syrienne détruite au début de la révolution. Dans le car transportant les prisonniers, des coups de feu tout proches: enchainé, Khaled imagine les principaux thèmes de ce morceau. La musique surgit sans prévenir, des phrases ouvertes au-delà de l'angoisse et de l'urgence de l'évasion, au-delà de l'errance, des phrases qui guettent la stabilité et ne la trouvent pas.

2- 12644: 7 temps
Khaled et Serge composent un 7 temps, le même jour au même moment, mais â 12,644 km l'un de l'autre, l'un à Damas, l'autre à Mexico. La réunion des deux pièces abolit la distance.

3- Invasion: 3 temps
Maroc, décembre 2010, cette pièce sera pour Serge le poit de départ de 3ème Jour: immersion dans les rythmes impairs. Le rythme oriental et les quarts de ton évoluent vers une improvisation oud/guitare pour finir en un unisson symbolisant un orchestre miniature.

4- In Between: 10/4
Morceau construit sur le rythme du mode Samaï, rythme en 10/4 de plus de mille ans. Sans pour autant contenir de mode précis, les phrases ouvertes suivent une progression semblable au processus d'hypnotisation.

5- Brume du matin: 5 temps
Au petit matin très loin dans le désert, sous une chaleur déjà accablante, les êtres attendent la brume furtive en provenance de la mer lointaine. Chargée de vie, c'est la mémoire de la mer, c'est le rêve du désert.
Ô brume du matin sois généreuse avec nous
Tous les êtres attendent ton passage
Comme un sourir sur un visage séduisant
Ô amant au coeur pur où es-tu?
(Texte Nabatéen, auteur anonyme.)

6- Le temps: polyrythmie
Lorsque se termine la révolution du rythme à 4 temps du oud, la guitare aura fait résonner 24 mesure sur un rythme à 3 temps.

7- Evasion: 9 temps
Shab al-din Yahia as-Sohrawardi a été surnommé "l'Assassiné". Exécuté en l'an 1191 au palais d'Alep, il laisse présager sa mort dans les vers suivants:
Dis à mes compagnons s'ils m'ont vu mort et ont pleuré de tristesse
Ne croyes pas que je suis mort
Dieu, celui que vous voyez mort n'est pas mort
Mon âme est un oiseau, et ce corps et sa cage
Je me suis envolé et sa cage et resté vide

-Khaled Aljaramani (traduit de l'arabe par Naïma Chalour) et Serge Teyssot-Gay

Sunday, August 11, 2013

All about Eve - Joseph L. Mankiewicz

There are many interpretations about "the meaning" and "the message" of All about Eve. Wikipedia collects several comments about the role of homophobia, communism, Cold War and the rivalry between Broadway and Hollywood. I'm sure all these interpretations are valid to some extent -truth is in the eye of the beholder, and all that.

My interpretation is that All about Eve talks about aging. But, for a millennial, this is also a movie about what being a woman means. Bette Davis' speech in the middle of the road (sadly, nowhere to be found) is a manifesto about the woman condition.

Tuesday, August 6, 2013

La musique et la danse des cieux

Cet album rédéfinit la signifiance de l'expression "expérience culturelle."

Le booklet est disponible ici.

La musique est disponible ici.